En todas partes cuecen habas, y desde luego en las oficinas de Warner Bros. Pictures saben de sobra cómo hacerlas a fuego lento. Patty Jenkins regresa a los mandos de la primera secuela del hit taquillero Wonder Woman de 2017, propuesta fresca y casi perfecta que confirmó a Gal Gadot como ideal Diana Prince, y elemento crucial dentro del ahora supuestamente extinto DCEU. Tres años después de amasar más de 800 millones, Wonder Woman 1984 da un paso adelante en el tiempo, y dos atrás en su dimensión, llevando al espectador a entretenerse durante unas largas dos horas y media de histrionismos dignos de esa década plagada de color, extravagancia, nostalgia y tecnología obsoleta.

Como punto de partida Wonder Woman 1984 ofrece al respetable un arranque espectacular, fresco, entretenido e inesperado. Un arranque centrado en un breve instante de la formación de la Diana niña, en esa Themyscira de amazonas y dioses a los que rendir culto y temer. A golpe de maestría y durante una introducción que debe rondar los 5 minutos, la Jenkins pergeña una secuencia que te deja anonadado por la picardía de esa joven Diana y merced al tema central del film compuesto por Hans Zimmer, y que invita a vibrar sentado en la butaca del añorado cine. El problema es que ese inicio enciende al espectador y pone el listón a un nivel excesivamente alto que no se logrará mantener durante los restantes 145 minutos. Cosas que pasan.

Wonder Woman 1984 se apoya de forma inteligente, y obvia, en los mimbres que llevaron al éxito a su predecesora: plagar la película de buen rollo, química entre sus personajes y cierto aspecto naif que la hacen encantadora… aunque a la Gadot no le hace falta nada más para seguirlo siendo. Recupera para ello a viejos personajes, ahí tenemos de nuevo y bien justificado a Steve Trevor (Chris Pine), y nos presenta un nuevo par, la cerebrita Barbara Minerva (Kristen Wigg), y el casi telepedricador y maestro del engaño piramidal Maxwell Lord (Pedro Pascal). Lo ingenuo y buen rollista se demuestra con escenas que merecen ser mencionadas como la secuencia del atraco en el centro comercial, presentación pública de Wonder Woman en esos años 80, y que recuerda a la simpática escena de los atracadores del Superman de Donner (los del barco delante de la comisaría), o todos los instantes en los que nuestra heroína corre que se las pela, momentos que de nuevo nos retrotraen a otra era y en donde el aspecto de la Gadot , salvando las evidentes distancias, hacen que veamos a la mismísima Lynda Carter dándolo todo… Del mismo modo el film bebe de los cómics y las propuestas más estrambóticas y dignas de homenaje de su era dorada. Ahí está el jet invisible que el personaje usaba para desplazarse. Obviamente la continuidad no es posible, pero es un gustazo verlo en pantalla como amable guiño.

Pero como ya comentaba en todos lados cuecen habas, y las cosas buenas de WW84 están rodeadas por otras que no lo son tanto. La película acaba perdida entre el mayor de los caos, ya sea por la vertiginosa evolución del gran villano Lord, una vorágine de caos incontrolable, excentricidad extrema y cierto aburrimiento obsesivo, o la tardía y subexplotada transformación de Minerva en uno de los icónicos personajes del universo DC, difusa ya de paso en el ya clásico despiporre y atronador exceso visual a tropecientos más frames por segundos del que el cerebro humano puede soportar. Wonder Woman 1984 sufre más que su predecesora, que ya es decir, en el aspecto villanil, llegando a rozar cierta penuria de este factor tan necesario en el cine de superhéroes.Ya de paso se extiende tanto como el látigo de la verdad en el tormento del personaje, resultando algo cansino visitar el aspecto más psicológico de la superhéroe.

En fin, Wonder Woman 1984 entretiene, eso es innegable, pero desde luego no alcanza los niveles logrados por la película de 2017, dejando cierto sabor agridulce en un año donde el cómic convertido en cine nos ha convertido en huérfanos con ganas de más. A ver si no morimos de exceso en 2021… aunque no lo creo.

Colorido cartel de Wonder Woman 1984, los 80 están aquí

Resulta que Possessor Uncut es una de la grandes sorpresas de este 2020 que pronto termina, y la segunda propuesta cinematográfica como director / guionista de Brandon Cronenberg tras visitar también Sitges en el ya lejano 2012 con la enfermiza y contagiosa Antiviral, premiada también e igualmente recomendable.

Marcando su propio terreno pero a la evidente sombra de su padre, al César lo que es del César, el joven Cronenberg nos embarca en un tecno-thriller que presenta como base de su argumento la existencia de medios para la intrusión tecnológica mental (y corporal), amén de otro tipo de intrusiones, equivalentes a las cookies de nuestros navegadores… vamos, que cuidado con lo que haces en la intimidad de tu casa. En fin, tras un arranque sumamente violento, no es la tónica del film pero este está sembrado, conocemos a una asesina a sueldo llamada Tasya Vos (Andrea Riseborough), empleada de primera clase de una empresa que mediante alta tecnología, e implantes cerebrales, cuela a sus sicarios en la mente / cuerpo de gente normal para cometer crimines salvajes y pasados de rosca.

Possessor: Uncut AKA Christopher Abbott, pelele en manos de Andrea Riseborough

Es evidente que el trabajo pasa factura, y el nuevo encargo de Vos lleva a esta a un universo de dudas existenciales, en la que su propia conciencia es acechada y perforada… o no. Ahí está John Parse (Sean Bean), simulacro de Jeff Bezzos y por lo tanto CEO de una compañía que nos investiga, conoce nuestros gustos y orienta nuestras compras… amén de otras cosas más oscuras. Trabajando para este y en altos directivos su hija Ava (Tuppence Middleton), haciendo lo propio pero en puestos de recolección de datos el novio de esta, Colin, encarnado por Christopher Abbott, y a la postre enlace con el distante y exclusivo Parse… el nuevo encargo de Vos.

La película debe verse, sí o sí, y al igual que en el cine de David Cronenberg, el de Brandon va más allá. Apoyándose en una violencia extrema, muy gore, desagradable y abrumadora, marca de la casa, Possessor Uncut explora a golpes la intrusión en las conciencias, el lavado de coco o la maleabilidad de la identidad humana. Todo es alterable, todo es penetrable, todo es violable… ya lo era en el cine de su padre en el fondo, por lo tanto de tal palo, tal astilla. Por lo tanto, elementos presentes en nuestra sociedad, llevados al extremo claro está, y enfrascados en un frasco plagado de esencias de ciencia ficción y distopía que, esperemos, nunca llega a ocurrir. Possessor Uncut no es nueva carne, podría serlo, pero sí es un nuevo episodio en la cinematografía de un director que no deja indiferente.

Cartel de Possessor Uncut

Bienvenidos a la inconcebible historia de, con seguridad, uno de los rodajes más caóticos de Hollywood (si no EL rodaje). Y es que no hay nada como juntar en el mismo frasco cientos de kilos de la esencia de los egos del déspota Val Kilmer, el loco Marlon Brando y el en aquel momento advenedizo Richard Stanley, amén del dictador John Frankenheimer o del hombre más pequeño del mundo Nelson de la Rosa (El hombre rata).

Pues sí, hace ya más de un lustro, 2014 para ser exacto, se estrenó el documental Lost Soul: El viaje maldito de Richard Stanley a la isla del Dr. Moreau (Lost Soul: The Doomed Journey of Richard Stanley’s Island of Dr. Moreau) – en Filmin, una interesantísima y sorprendente propuesta de David Gregory, responsable de más de 200 documentales (entre cortos y largos) y productor de Color Out of Space (el regreso del simpar Stanley tras 15 años de aislamiento y ausencia) sobre el infernal paso del director sudafricano por la infecta La isla del Dr. Moreau (The Island of Dr. Moreau), fiasco monumental de Edward R. Pressman y la New Line Cinema que tras su estreno en 1996, y tras haber costado 40 millones de entonces, acabó hundida en el mayor de los oprovios al recaudar mundialmente unos pírricos 50 kilos, y ya de paso dilapidar la carrera del propio Stanley o Marco Hofschneidey (Europa Europa).

Richard Stanley, un tipo irrepetible

Uno observa ensimismado cómo la ahora peculiar mente de Richard Stanley, seguramente tocó fondo en aquel fatídico 1995 durante el rodaje de La isla del Dr. Moreau, recuerda con prístina lucidez su infernal viaje por un proyecto con una clara esencia personal y un desenlace lisérgico. Stanley era joven (unos 29), autor no novel pero responsable de series B convertidas en films de culto y por lo tanto total inexperto si hablamos de transformar millones de dólares en celuloide de valor. Tras Hardware: Programado para matar (Hardware) y El demonio del desierto (Dust Devil), la verborrea e increíble capacidad de jugar las bazas más impredecibles llevó a Richard Stanley a que la New Line aceptara ponerle delante de una adaptación de la icónica obra de H.G. Wells. Aun viendo como Stanley jugaba su destino a bazas tan ilusorias como el vudú y la más pura de las credulidades, la New Line decidió seguir adelante, movidos seguramente por el ansia generada por nombres tan vibrantes como los de Bruce Willis, James Woods, Marlon Brando, y posteriormente Val Kilmer.

El resto es mejor verlo, Lost Soul: El viaje maldito de Richard Stanley a la isla del Dr. Moreau no sólo es el periplo de Stanley por el principio del fin de su carrera (gracias a dios ha encontrado nuevamente su hueco y más oportunidades habrá para disfrutar de su cine), es fiesta, alcohol, clima, didyeridúes, depravación, drogas, caos, Brando, despiporre, sexo y muchos miedos al colapso. Una historia impensable en la que un fulano tocó fondo por el monstruo que es Hollywood para acabar viviendo sólo en los pirineos franceses. Ojo, este viaje maldito sin lugar a dudas es reflejo de lo que ha debido ocurrir más recientemente a directores como Josh Trank. Este pasó del cine independiente que fue Chronicle, al mainstream que se suponía Cuatro Fantásticos (Fantastic Four), co-dirigida finalmente por Stephen E. Rivkin, y de ahí al anonimato y a perder oportunidades que nunca más se presentarán.

Cartel de Lost Soul: The Doomed Journey of Richard Stanley’s Island of Dr. Moreau

La directora francesa Claire Denis, 74 primaveras la contemplan y una carrera asistiendo a la dirección de grandes nombres como los de Costa-Gavras, Jim Jarmusch o Wim Wenders, se embarca en una historia de ciencia ficción oscura, incómoda, sucia y truculenta pero, a su vez, y por qué no decirlo, embaucadora.

En High Life, disponible en la plataforma Filmin, nos trasladamos a una nave perdida en medio del espacio. En ella Monte (Robert Patinson) y Willow (Jessie Ross), los dos últimos tripulantes, sobreviven abandonados a su suerte. Pero no siempre estuvieron solos: Monte es miembro de un grupo de condenados a muerte que aceptaron conmutar sus sentencias a cambio de participar en una misión (evidentemente suicida) con destino al agujero negro más cercano a la Tierra. Su objetivo: encontrar una fuente de energía definitiva que ayudaría a la supervivencia del planeta, al tiempo que servían como cobayas de un experimento de gestación "asexual" controlado por la supuestamente única "normal" del grupo, Dibs (Juliette Binoche). Willow es su hija…

La Denis nos embarca en un viaje sin retorno que transcurre en diferentes momentos temporales. Somos a la vez espectadores del desenlace del viaje, de su principio y del desesperante y grotesco transcurso del mismo… así bien entrelazadito. Saltando adelante y atrás con el freno puesto, se nos invita a comprender el destino de los protagonistas, viendo como nuestros conejillos de indias son expuestos al aislamiento forzado, la autodestrucción, y la insatisfacción sexual merced a las grotescas intenciones de un plan comandado por una mad doctor de larga melena y mucho tiempo libre. Vale, no se puede negar: High Life es rara. Excesivamente pausada, sexual, violenta, y especialista en sacar a flote aspectos controvertidos, pese a todo tiene un algo que acaba manteniéndote atento. Será el desasosiego de sus personajes, o la sensación permanente de soledad y fatalismo. Son estos aspectos tan oscuros y melancólicos los que hacen que veas ensimismado las malas sensaciones que recorren los cuerpos del mencionado Pattinson, triste, André Benjamin, resignado, o Mia Goth, frustrada y castigada.

Uno de los pósters de High Life

Llevaba tiempo queriendo ver Dejad que los cadáveres se bronceen (Laissez bronzer les cadavres) de Hélène Cattet y Bruno Forzani. Presentada en el ya lejano Sitges 2017, me la perdí ese año pero puede verse ahora en Filmin, este bien avenido matrimonio, adaptando todo sea dicho una novela de Jean-Patrick Manchette y Jean-Pierre Bastid, labran un extraño film sobre un robo, un secuestro, y varios duelos al sol en algún soleado lugar de la costa de Francia. Una banda de ladrones que se hacen con 250 kg de oro llegan a la casa de una artista atrapada en un grotesco triángulo amoroso. Este bucólico escenario se convierte a la velocidad del rayo en un interminable tiroteo entre un policía y los ladrones… un tiroteo que dura todo un día.

Cattet y Forzani se sacan de la manga una película que transciende entre el thriller de Bava en la icónica Semáforo rojo (Cani arrabbiati), con esa piel quemada por el sol, plagada de sudor, malos modos, tensión constante entre sus personajes y mucha violencia, y el tono surreal, gráfico y repleto de engaños de la Suspiria de Argento, en este caso inundando la pantalla de una fotografía que parece hecha a medida del mismísimo Luciano Tovoli, el maestro tras el color del film del genio del giallo, y que también fue imitado en la relativamente reciente Berberian Sound Studio de Peter Strickland. Dejad que los cadáveres se bronceen es una especie de Duelo al sol (Duel in the Sun) regada y nunca mejor dicho de momentos surreales, esa incesante lluvia dorada, paranoia delirante digna de Dalí, y una técnica narrativa que a golpe de reloj, secuencias repetidas y bucle interminable acongoja.

Y ahí se fragua lo mejor y lo peor del film. Una primera parte excelente, paciente, cronometrada hasta el extremo, y repleta de grandes momentos dignos del mejor western. Pero una segunda parte donde tanto juego, tanto reloj que avanza hasta un enervante minuto a minuto, y tanta ausencia de sol que broncee los cadáveres pendientes de surgir hace zozobrar, que no naufragar, ligeramente el resultado final.
En fin, digna de ver y de comprender, diferente, obsesiva, un reloj suizo plagado de plomo, sangre, sudor, orina y oro.

Cartel de Dejad que los cadáveres se bronceen

Quentin Dupieux es único. Inimaginable Rubber, imposible Wrong, inconcebible Wrong Cops, surrealista Réalité… pendientes sin ver Bajo arresto (Au poste!) y la reciente La chaqueta de piel de ciervo (Le daim). Este año el Festival de Sitges se nutre de su último trabajo como director / guionista: Mandibules.

Dominique, la mouche

Cuando dos amigos ingenuos, Manu (Grégoire Ludig) y Jean-Gab (David Marsais), encuentran una mosca gigante atrapada en el maletero de un automóvil, deciden entrenarla con la esperanza de ganar mucho dinero… y ya está. Un nuevo sinsentido altamente recomendable donde lo surreal campa a sus anchas de principio a fin, y ojo, no ya tanto los la mosca gigante que los dos protagonistas pretenden educar para que, cual circo de pulgas, les acabe montando en el euro, si no por el mundo de Wayne en el que estos dos viven. Dupieux vuelve a gestar uno de sus habituales productos donde la naturalidad de su historia que completamente desbordada por un imaginario que ya es marca de la casa. Todo ocurre como tiene que ocurrir, pero a la idiotez de estos dos amigos de la infancia hay que sumar las situaciones más insospechadas e inesperadas. Nada de lo que ves puede o debe ocurrir, pero ocurre. Esa es la grandeza de Quentin Dupieux, todo lo que ofrece es diferente, cómico, inconcebible y carente de todo sentido de la razón. Mandibules es una pequeña joya, ideal para aquellos que han disfrutado con singular anonadamiento la vida de este francés que hace cosas impensables. Mola. Y ojo, acompañando a estos dos la maravillosa Adèle Exarchopoulos en su papel más inclasificables, sin rivalizar para nada con su participación en la extremadamente húmeda La vida de Adèle (La vie d’Adèle).

Cartel de Mandibules

Si uno quiere pasar un rato simpático viendo una peli de terror a lomos de mucho humor negro y un motón de homenajes al cine de terror y sus variopintas disciplinas, nada mejor que echar un vistazo a la divertida Vicious Fun, film pergeñado por Cody Calahan, director que ya estuvo en Sitges presentando la normalita Antisocial en el 2013, y que nos introduce en una historia diferente.

Joel, el protagonista de Vicious Fun

Escrita por el debutante James Villeneuve, supongo que nada que ver, nos introduce en la historia de Joel, Evan Marsh (¡Shazam!), un ácido crítico de cine, podría pasar por blogger, especializado en el género de terror que, por avatares de la vida, acaba en medio de un grupo de terapia para asesinos en serie. Este es el original punto de partida de Vicious Fun, y desde este instante el bueno de Joel tendrá que apañárselas como puede para plantar cara al grupo de matarifes encarnados por Ari Millen, Julian Richings (El hombre de acero), Robert Maillet (el gigante de Pacific Rim o "The Strain") y Sean Baek ("Killjoys"), contando con la ayuda de Carrie, Amber Goldfarb ("Helix"), una del clan que tiene mucho más que decir. Ah, y en medio del fregado el siempre molón David Koechner (Cheap Thrills, Piraña 2 3D o Krampus: Maldita Navidad). Resulta que Vicious Fun se mueve a ritmo electro, con mucho aroma años 80 y luces de neon, Calahan y Villeneuve se sacan de la manga un buen paquete de referencias a iconos del género como la saga Viernes 13, obras de culto como American Psycho, o revistas míticas como Fangoria, todo regado con generosas dosis de hemoglobina, algún que otro miembro amputado y mucho absurdo por minuto. Muy recomendable.

Genial cartel de Vicious Fun

Una de esas que prometían entretener durante la celebración del Festival de Sitges era Península (Train to Busan 2: Peninsula), secuela a lo apocalipsis zombie definitivo de la muy entretenida y original Train to Busan (Busanhaeng)… ambas de Sang-ho Yeon.

Pero todo lo que fue Tren a Busán hace unos años es justo todo lo que no es esta su secuela Península. Personalidad propia tiene, como elemento mezclador durante sus cerca de dos horas de estilos tan diversos como persecuciones a lo Fast and Furious, un rescate survival cercano al disfrutado en 1997: Rescate en Nueva York (Escape from New York), una sobrecarga de zombis como las imperativas de Guerra Mundial Z (World War Z), bandas de matones en el páramo a lo Mad Max: más allá de la Cúpula del Trueno (Mad Max Beyond Thunderdome) y drama… mucho drama al son de piano, guitarra española y violín del que genera empatía cero (y más con ese guión de corta pega que ni con cola). Pero claro, es sabido que no todo en el campo de los zombis es orégano, y poco ayuda también el reparto de esta secuela, que reconozcámoslo tampoco es que destaque como sí lo hicieron Dong-seok Ma o Yoo Gong en aquel escalofriante y agónico viaje a Busán. Península entretiene más o menos, aburre otro tanto, y se pasa dramatizando hasta el extremo un tercer acto que hace perder toda esperanza de que podamos ver un nuevo viaje al infierno apocalíptico en el que han convertido esa Corea. Pone nervioso su protagonista, el permanentemente triste Gang Dong-won (Illand: La brigada del lobo). En fin, vista una vez… nunca más.

Uno de los carteles de Península

Cuando uno se sienta a ver El diablo a todas horas (The Devil All the Time), adaptación al cine de una obra de Donald Ray Pollock, debe ser consciente de lo que va a ver. Resulta que Pollock es especialista en explotar lo más sucio y siniestro de aquello que traslada a escrito. Ocurre con "Knockemstiff", su primera obra, un compendio de infectos relatos cortos con Knockemstiff, lugar donde nació y se crió él mismo, como centro de lo que se cuenta, y ocurre por lo tanto con "El diablo a todas horas", en este caso el perturbador y triste viaje vital de Arvin Russell. La adaptación a cine de su última obra referente supura negatividad de principio a fin, el agónico relato nos traslada a un lugar perdido de Ohio, uno donde lo mejor es no saber donde queda ni como se podría llegar.

Arvin Russell, sufridor nato

Para rizar el rizo de lo malsano, a los mandos tenemos a Antonio Campos… director curiosamente idóneo para este trabajo (es además el encargado de la adaptación). ¿Pero por qué? El bueno de Campos es el productor de la sectaria Martha Marcy May Marlene, pero también el director de la excelente primera temporada de la no poco grotesca "The Sinner". ¿Más razones para entender esta idoneidad? La carrera de Campos como cineasta deja claro que sabe cómo mostrar sumideros sociales donde lo controvertido y desmoralizante predomina. De sus manos han salido Simon Killer y Afterschool.

En fin, El diablo a todas horas es una historia nauseabunda, plagada de auténticos monstruos donde pululan retorcidos asesinos en serie aficionados a la fotografía, párrocos que se creen su divinidad mientras otros la usan para sacar provecho de las más jóvenes de ese lugar sin nombre. Sumad familias tristes destrozadas, policías corruptos, muertes de todo tipo, crueles asesinatos, y mediocridad por todas partes. Para más inri, los destinos de todos aquellos que participan en la historia están entrelazados, lo que hace la adaptación si cabe más interesante. Para dar forma a este universo de moral cochambrosa, la película cuenta con un elenco de actores sencillamente espectacular… que si Robert Pattinson, que si Tom Holland, gente como Bill Skarsgård, Mia Wasikowska o Jason Clarke, acompañados todos por Sebastian Stan, Riley Keough, Haley Bennett, Harry Melling o Mia Goth. ¡Menudo derroche!

En fin, no se me entienda mal ya que lógicamente hay más que evidentes diferencias, pero la sensación que a uno se le queda tras ver El diablo a todas horas está en un nivel previo, pero no extremadamente distante, de cómo te quedas tras ver La carretera (The Road), esta vez adaptación de la hipernegativa obra de Cormac McCarthy. Vale la pena verla y darse cuenta de que si todo puede salir mal saldrá mal… desde el minuto cero hasta el último instante de esta película que deja claro que el diablo es el verdadero protagonista.

Cartel de El diablo a todas horas

Virtuoso, siempre sorprendente y arriesgado. Así es Christopher Nolan. Habiendo pasado un par de días desde el estreno de Tenet, su nueva grandilocuente aportación al mundo del cine, es momento de buscar un pequeño hueco para hablar de este fabuloso film.

En esta ocasión el director británico ha puesto sobre la mesa una historia con base clásica, a bote pronto una película de espionaje, pero adornada con los intensos niveles de grandiosidad que dignifican todo lo que protagoniza el James Bond más pulp. En Tenet tenemos los factores propios de muchos de los films protagonizados por el archifamoso agente secreto británico: desde una misión más allá de lo imaginable, con un impacto que tendrá efecto a nivel mundial / global, y hasta un villano megalómano, genocida y con el ego más grande jamás imaginado, que ya de paso ejerce su vileza sobre todo lo que le rodea, además de martirizar a una también merecida "Chica Bond", que mira tú por donde es su mujer. Si es que en Tenet se ven sombras de Maximilian Largo (Klaus Maria Brandauer) en el papel de Kenneth Branagh, y de Domino Petachi (Kim Basinger) en el encarnado por Elizabeth Debicki… sólo queda pensar que su director es en realidad el mismísimo Blofeld para cuadrar el círculo. Maravilloso.

El tema aquí es que Nolan propone y mejora, aplicando su prodigiosa capacidad de imaginación científica, su poliédrica mente, para así crear un viaje único, una maraña impagable, un lío de narices y, sin dudarlo, el más difícil todavía. Christopher Nolan se saca la chorra y construye un guión plagado de trucos, repleto de matices, giros e inesperadas sorpresas, uno que sirve para dar sentido a ese palíndromo elegido como título… Tenet. Da igual como lo leas, y seguramente dará igual como la veas, Tenet es marca de la casa, historia laberíntica para disfrutar en estos tiempos de agobio que nos está tocando lidiar. Poco más se puede contar sin entrar en el siempre peligroso y no deseado territorio de los spoilers. Vale la pena comentar que Tenet es una propuesta inmensa de principio a fin, desde su abrumador comienzo, donde no dudaría en recordar otra escena escandalosamente acojonante de este director como es el arranque de El caballero oscuro: La leyenda renace (The Dark Knight Rises), ese golpe en la mesa que daba Bane (Tom Hardy) desmontando un avión en pleno vuelo, hasta su apoteósico final, nuevo reflejo del cine que Christopher Nolan nos está proponiendo realmente entre tanta teoría cuántica y entropía… en Tenet uno vuelve a ver Bond, joda a quien joda, y sin ir más lejos a Sólo se vive dos veces (You Only Live Twice).

Los ingredientes que completan esta gran propuesta de entretenimiento y disfrute son un reparto que encabezan John David Washington y Robert Pattinson. El primero creciente estrella, el segundo asentado ya con grandes papeles en Cosmopolis y Maps to the Stars de David Cronenberg, The Rover y The King de David Michôd, Life de Anton Corbijn, High Life de Claire Denis o la reciente The Lighthouse de Robert Eggers. Les acompaña el ya mencionado Brannagh encarnando a Andrei Sator, y la Debicki, amén de un irreconocible Aaron Taylor-Johnson o un muy mayor Michael Caine. En fin, Tenet es obligada, es otra que quedará para el eterno recuerdo de cómo hacer cine simple pero rizando el rizo, liándola parda y sacando músculo a lo más difícil todavía.

Uno de los póster de Tenet, gíralo y verás lo mismo

Ah, y esta vez no está Hans Zimmer haciendo la banda sonora. El reto ha caído sobre los hombros de Ludwig Göransson, ganador de un Oscar por Black Panther, y padre de lo que suena cuando disfrutamos de "The Mandalorian".