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Opinión


Sigo con mis micro reviews de pelis que he podido ver en Sitges 2013. Hace unos días se pasó por el festival La última llamada (The Call, 2013) de Brad Anderson, un thriller que parece que no te va a decir nada pero que inesperadamente te mantiene pegado a la butaca y en tensión la totalidad de su metraje, algo que hay que aplaudir ruidosamente y más cuando la promoción del film ha sido bastante patética en nuestras tierras… tanto que no me suena ni que se haya estrenado. Protagonizada por una recuperada Halle Berry, la cada vez menos niña Abigail Breslin, Morris Chestnut y Michael Eklund, nos presenta la desventura de una miembro de la unidad de emergencias de la ciudad de Los Angeles, creo, que da respuesta a llamadas que entran por el 911. Una mala gestión de una de estas llamadas acaba como el rosario de la aurora, y varios meses después se le planteará una nueva oportunidad de demostrar su capacidad de reacción ante una situación con similitudes a la del pasado. Anderson se reivindica, y tras pegársela finamente con Vanishing on 7th Street (2010), aunque luego ha triunfado dirigiendo durante unos años episodios de series punteras como "Fringe", "The Killing", "Treme" o "Boardwalk Empire", se saca de la manga un thriller sólido, bien forjado y muy entretenido, de esos que pone nervioso y con uno de los desenlaces más inconfesables y gratuitos del año. Merece una oportunidad, así que no dejéis de probarla, lo vale.

Un cartel de La última llamada de Brad Anderson
Un cartel de La última llamada de Brad Anderson

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Momento de hablar de otra de las joyas de este 2013 en el Festival de Sitges. El pasado domingo se pudo ver en el Auditori Bienvenidos al fin del mundo (The World’s End, 2013) de Edgar Wright, episodio final a la definida como The Three Flavours Cornetto Trilogy, The Blood and Ice Cream Trilogy o la Trilogía del Cornetto, esta última la forma más sencilla. Qué decir, un cierre mayúsculo, una oda a la amistad y una aventura muy divertida que saca mucho jugo al aspecto más nostálgico de la ya inmortal amistad en pantalla entre Simon Pegg y Nick Frost. El trío calavera, padres putativos en modo director, guionistas y actores de las ya míticas Shaun of the Dead (2004) y Hot Fuzz (2007), acompañados esta vez por Paddy Considine, Martin Freeman, Eddie Marsan y Rosamund Pike, además de gustosos cameos de Steve Oram, Pierce Brosnan, David Bradley o la voz del mismísimo Bill Nighy, nos presentan una historia de reencuentro, mucha amistad, defecto de madurez o aventura etílica servida en pintas. Eso, macarras trasnochados y mucho más que no se puede contar pero que hay que ver porque es un cierre como la copa de un pino. Una banda sonora superlativa y una descacharrante invasión extraterrestre sirven para cruzarnos nuevamente con una aventura genial donde Simon Pegg se transforma y rompe moldes. Repetiré cuando se estrene en cines, a final de mes.

Gran cartel este de The World's End
Gran cartel este de The World’s End

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Antes de seguir viendo películas paro brevemente en el blog para dejaros con unas palabras sobre Mindscape (2013) de Jorge Dorado, debutante en esto del largometraje pero experimentado cortometrajista y asistente de dirección de un buen puñado de proyectos de directores como Pedro Almodóvar, Guillermo del Toro o Manuel Martín Cuenca. Con Mindscape, producción española nuevamente con esencia, textura y aroma internacional, Dorado traslada un entretenido guión de Guy Holmes en el que uno debe enfrentarse a la manipulación y los juegos mentales en su más truculento esplendor. Apoyándose en un reparto de alto nivel, no ya por la presencia de alguien como Mark Strong, secundario de lujo que aquí se hace con el papel protagonista, si no por la joven intervención de Taissa Farmiga, una fija en "American Horror Story" (2011-¿?), hermana de Vera, e impresionante en su papel de Anna, Dorado elabora un buen trabajo, entretenido y juguetón, que sirve para darle alguna que otra vuelta en su desarrollo mientras se encajan las piezas del complejo puzzle que se traen entre manos los protagonistas. Cero engaños, total transparencia, aunque en monodosis para mantener el vilo durante todo el metraje, y viajes sensoriales que recuerdan en parte a aquellos extremadamente vívidos pero orientados al futuro que padecía el bueno de Christopher Walken en La zona muerta (The Dead Zone, 1983). Se estrena a finales de mes y, la verdad, resulta entretenida. Ah, de regalo aparecen por ahí Indira Varma, la esposa de "Luther", el veterano Brian Cox, o Alberto Ammann, el de Celda 211 (2009).

Un póster de Mindscape
Un póster de Mindscape

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Y llega el turno del plato fuerte final del sábado, esas cosas que tiene las pocas entradas que fuera de los horarios de prensa dejan a los acreditados, además la demanda es mayúscula. La hora de disfrutar de Space Pirate Captain Harlock (2013) de Shinji Aramaki, adaptación a largometraje, y de excelsa calidad visual, del conocido manga y anime creado por Leiji Matsumoto. Intensa en su arranque, por no decir que perfecta gracias a la grandiosidad de una animación fabulosa en donde la Arcadia, el Capitán Harlock y su tropa surcan el espacio dando buena cuenta de todo aquel que se le pone por delante. Un objetivo en el fondo noble, alejado de las verdaderamente siniestras intenciones de los que dominan la Tierra, pero acompañado por un pasado oscuro, demasiado incluso para el propio Harlock. Pero claro, el riesgo de estas producciones es la alta posibilidad de pinchazo tras un arranque en lo más alto, y en esto el film de Aramaki acaba en caída libre dando vueltas y vueltas, casi infinitas, y ofreciendo al espectador momentos puntuales de impacto que no llegan sin embargo a acabar por levantar el ánimo en un desenlace menos impactante de lo previsto. Además, mucho diálogo y dramatismo alejado de las tribulaciones de la Arcadia. Merece la pena ser disfrutada por lo visual y ese arranque que se gasta, luego va perdiendo fuelle.

Cartel de Captain Harlock Space Pirate
Cartel de Captain Harlock: Space Pirate

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Y siguió el día de capa caída con Blind Detective (Man Tam, 2013) de Johnnie To, versión alternativa a la famosa Mad Detective (San taam, 2007) donde To hace un curioso cambio de cartas de la baraja en un mismo juego de mesa. Del thriller psicológico de Mad se pasa a un thriller cómico de Blind, de un inspector de policía esquizofrénico retirado que vuelve al cuerpo para instruir a un detective debutante en Mad nos enredamos con un detective ciego que decide apoyar a una policía rookie a resolver un caso de su pasado al tiempo que se aprovecha de ella para cumplir con trabajos propios en Blind. En medio del enredo una curiosísima forma de imaginar los escenarios del crimen, quizás lo mejor de la película ya que en ocasiones, como esa en la morgue, roza el slapstick, y desamores varios. Cómica pero sin fuerza, larga aunque protagonizada por el mítico Andy Lau como el detective Johnston al que acompaña Sammi Cheng.

Un cartel de Blind Detective con Andy Lau
Un cartel de Blind Detective con Andy Lau

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Y hablando de junglas, tras The Green Inferno fue el turno de la ponzoña más grande vista hasta el momento en Sitges 2013, o casi. Andrew Traucki dirige y escribe una película que por alguna extraña razón ha llegado al festival. ¿Qué hace una producción como The Jungle (2013) ganándose el derecho a ser emitida en el ruedo más grande cuando otras producciones infinitamente más jugosas y respetables se comen los mocos en otras plazas? Pues no lo entiendo, pero que durante hora y media te pasen por thriller de terror / misterio un episodio al modo "Frank de la jungla" protagonizado por un adorador de felinos pues no tiene nombre. Aburrimiento supino, despropósito global que encima explota el sobreexplotado modelo del metraje encontrado, y mal. Mucha oscuridad, cero sustos, estupidez humana y un efecto especial digital borroso y patético. Larry (Rupert Reid), Budi (Agoes Widjaya Soedjarwo), Adi (Igusti Budianthika) y el hermano del primero se cuelan en una selva de Indonesia para ver si logran encontrar el raro ejemplar de leopardo de Java… pero en la selva hay leopardos y algo más. Chupi.

Cartel de The Jungle
Cartel de The Jungle

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Sigo con las mini opiniones del Festival de Sitges y es el turno de hablar algo sobre Eli Roth y su viaje caníbal The Green Inferno (2013). El bueno de Roth, por segundo año consecutivo un maleducado que sigue dejando tirado a algunos portales de cine que los que tiene acordadas entrevistas, es un tipo que confirma su gran capacidad de ofrecer lo inesperado y gratificante en todas sus incursiones en el género al que se ha aupado como uno de los grandes maestros de ceremonias.

Su cuarta aventura, la verdad es que lleva entre nosotros más de 10 años y sus largometrajes se pueden contar con los dedos de una mano ya que la otra te la habrá cortado, es una oda a la ridiculización de los dos bandos que se enfrentan en las guerras entre los grupos antisistema y las empresas que todo lo monopolizan. Durante los dos tercios iniciales del film, y al igual que ocurriera con Aftershock (2012) del chileno Nicolás López, The Green Inferno nos muestras los participantes, el año pasado fue el mundo pijo de Santiago de Chile y el juego que se traían entre manos, si bien no escatima en poner sobre la mesa sus trapos más sucios. Roth se ríe de todos, sin miedo y complejos, y pone tibios a aquellos que al igual que en Hostel (2005) hace ocho años iban a por sexo fácil, tienen poco más que pájaros en la cabeza o quimeras imposibles de lograr. The Green Inferno nos muestra mucha de la pantomima que se vive en estos tiempos con activistas y compañías guerreando, sacando provecho de los medios, etc. Pero llegados al instante más esperado por lo fans Roth cambia de rumbo y cumple con creces.

Hecatombe gore, subida de tono con muertes salvajes y si cortarse un pelo, ya se amputa el resto. Pero ojo, porque lo mejor de todo es que las carcajadas del público son más notables a partir de ese momento, es tan excesivo todo lo previsto por el guión de Roth y Guillermo Amoedo que uno no puede más que reírse y aplaudir cada salvajada, que todo sea dicho te deja en algún momento acoplado a la butaca y sin posibilidad de parpadear. En definitiva, divertida, muy sangrienta y crítica. Bravo por Roth.

Kaycee (Sky Ferreira) calentando motores para ser el alimento del pueblo
Kaycee (Sky Ferreira) calentando motores para ser el alimento del pueblo

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Con todo el hype que se estaba levantando alrededor de este proyecto de factura española pero reparto internacional bastante impactante, las esperanzas sobre la nueva obra cinematográfica de Eugenio Mira estaban siendo muy grandes, y más tras el batacazo que resultó ser Agnosia (2010) en su presentación también en el festival hace unos años. Esta vez, ojala sea así siempre, el hype se justifica, y hasta diría que se queda corto, porque para regocijo del espectador Grand Piano (2013) roza la excelencia, mucho de esto debido a una puesta en escena, filmación y dirección al modo más clásico que bebe directamente de maestros del thriller como Alfred Hitchcock o Brian De Palma, y donde Mira se maneja como alumno aventajado. Si bien el guión de Damien Chazelle no es tampoco sobrecogedor ni magistral, resultará hasta conocido, el director se vale de un escenario mínimo en forma de auditorio repleto de un público entregado y un piano como protagonista casi absoluto para atrapar al espectador y contar la historia del pianista Tom Selznick (Elijah Wood), un prodigio que tras cinco años de silencio debido a un fracaso en su última actuación, regresa para homenajear a su gran maestro, ahora fallecido. Pero la sorpresa que se llevará Selznick será mayúscula, una nota escrita sobre su partitura le amenaza mortalmente si se le ocurre fallar si quiera una nota en su concierto. Ritmo frenético, situaciones inquietantes y muchos planos / montaje de obra maestra que recuerdan a las mejores obras de los ya mencionados De Palma y Hitchcock. John Cusack, Don McManus, Kerry Bishé y Alex Winter completan un reparto coral al que acompaña, como productor, el innovador cañí Rodrigo Cortés, este se la juega sin contemplaciones y por ahora donde pone el ojo pone la bala. La verdad, para vérsela de nuevo el 25 de octubre en cines… si es que me ha molado un huevo!

Cartel de Grand Piano
Cartel de Grand Piano

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Otra de las películas que me vi el primer día de Festival de Sitges fue Rigor Mortis (Geung Si, 2013) de Juno Mak, debutante en esto de dirigir pero una estrellas pop oriental que sin embargo ya ha paladeado el otro lado de la pantalla como actor en, la verdad se a dicha, pocas películas… Revenge: A Love Story (Fuk sau che chi sei, 2010) es una de ellas. En fin, lo de Rigor Mortis es una extraña fusión de cine de vampiros orientales, materia espiritual siniestra al modo vieja escuela, enfrentamientos entre monjes y nigromantes, líos a lo 13 Rúe del Percebe, algo de efecto Matrix sanguinolento y un actor encarnado por Chin Siu-Ho que malviviendo como vieja gloria, y con el objetivo de suicidarse metido entre ceja y ceja, acaba metido en un cristo bendito de no te menees. La verdad, seria y cómica, pesada y entretenida, lenta como un caracol e hiperactiva hasta la extenuación sensorial. No exenta de malrollismo y algún que otro susto o escena desagradable. Ni fu, ni fa. Curioso debut que cuenta además con el apadrinamiento de Takashi Shimizu, uno de los maestros del terror oriental y padre de La maldición (Ju-on, 2000).

Un cartel de Rigor Mortis
Un cartel de Rigor Mortis

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Primera toma de contacto que me como en la 46 edición del Festival Internacional de Cinema Fantastic de Catalunya y, la verdad, como arranque no es que haya sido todo lo deseable que uno hubiera querido. Tras 9 años haciendo no se qué, y con una opera prima compleja, sesuda y que todavía hoy sigue siendo difícil de asimilar como Primer (2004), todavía tengo un colega que me la tiene guardada por convencerle para verla en el cine, Shane Carruth regresa a la gran pantalla con Upstream Color (2013), historia mucho más grotesca que Primer donde los gusanos, los cerdos y las vidas enlazadas de los protagonistas son lo que debemos tener en cuenta… o eso creo. Podría decir eso de que Carruth ha hecho poesía cinematográfica, que Upstream Color es en el fondo un mensaje sobre las adicciones, o una oda a las profundas relaciones debidas la padecimiento de cisticercosis. Pero no, Carruth ha parido un coñazo sublime donde la vida de un par de cerdos está íntimamente vinculada a Kris (Amy Seimetz) y Jeff (Shane Carruth). Probablemente lo más llamativo del film es la relación entre los cerdos, Kris y Jeff, que va más allá de lo imaginable y en donde las vivencias de los primeros, y por sorprendente que parezca, son en parte sufridos por los segundos. El espectador podrá disfrutar hasta de un tremebundo y matriarcal mensaje gorrino que le dejará bastante perplejo. Por lo demás la obra de Carruth es un experimento ideal para festivales pero difícil de digerir. Rara no, lo siguiente!

De lo poco asumible del film, el cartel
De lo poco asumible del film, el cartel

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