Con toda seguridad, y escuchando las primeras reacciones al salir de la sala de cine, Malditos bastardos (Inglourious Basterds, 2009) de Quentin Tarantino dará mucho que hablar, y lo más curioso es que lo hará en extremos completamente opuestos. Muchos son los que ven en ella una nueva delicia cinematográfica repleta de ocultos homenajes a grandes secuencias del cine, de momentos surrealistas y propietaria de una historia mágica. Otros tantos comentarán que Tarantino vuelve para vendernos humo en una sobrecargada película, de montaje atropellado, y que demuestra que este tipo endiosado puede hacer lo que le viene en gana, logrando además vestirlo de pomposidad y floritura barata. En mi caso soy los del primer grupo, pero me gustará escuchar opiniones dispares, que haberlas hailas, como as meigas.

Póster español de Malditos bastardos (Inglourious Basterds)

"Érase una vez… en la Francia ocupada por los nazis". Así comienza la nueva película de Tarantino. Estamos en la Segunda Guerra Mundial, primer año de la ocupación nazi de parte de los territorios franceses. La caza de ciudadanos de origen judío en el país tiene un nuevo director de orquesta, el metódico y extravagante Coronel Hans Landa (Christoph Waltz), al que han puesto el sobrenombre de "El cazador de judíos". Al tiempo, el ejército norteamericano monta un grupo de acción salvaje, un pelotón de soldados judíoamericanos conocidos como "Los bastardos" que bajo el mando del Teniente Aldo Raine (Brad Pitt), y con el Sargento Donny Donowitz (Eli Roth) y el loco Hugo Stiglitz (Til Schweiger) como cabezas visibles de su brutalidad, recorrerán la Francia ocupada sembrando el terror allá por donde el Tercer Reich pisa. Mediante métodos poco ortodoxos, asesinan violenta y brutalmente unidades completas de nazis cortando las cabelleras de sus víctimas para así minar la moral de las tropas enemigas, acabarán haciéndose famosos hasta llegar a oídos del propio Adolf Hitler. Al tiempo que ocurre todo esto, una joven judía llamada Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent), y cuya familia ha sido asesinada por Landa en una secuencia inicial ya mítica, medita la oportunidad única que se le presenta de cobrarse una merecida venganza. Grosso modo esta es la sinopsis del trabajado guión de Quentin Tarantino.

Durante más de dos horas y media, otro de los logros del film es resultar en todo momento apetecible, Tarantino nos transporta otra vez por su cada vez más habitual homenaje de todo eso que ha mamado durante Pi años. Confeso amante del prolífico y desigual género spaghetti western, Malditos bastardos no es más que un nuevo film de ese estilo en su concepto pero trasladado a un escenario, puede que incluso tomado a broma, de la Segunda Guerra Mundial. Tensas y largas secuencias al más puro estilo Sergio Leone, duelos a tiro limpio de esos donde se sabe de sobra el fatídico desenlace y otros guiños geniales que deben ser reconocidos por el espectador. Junto a esto, tres o cuatro momentos de extrema violencia que si bien quedan difuminados en el largo metraje, "Los bastardos" son una pieza más del montante final pero no la pieza central del mismo, no por ello dejarán de grabarse a fuego en nuestras retinas… y frentes. Tarantino vuelve a apostar por dividir su film en capítulos, sello característico de la casa, y cada uno navega por un cauce diferente que, como en todos los ríos, acaba confluyendo en un punto común que da pie al vibrante e inesperado clímax final. Otro punto a favor de la obra es que a Tarantino no le cuesta seguir siendo como es. Pese a contar con un presupuesto más cercano al de una gran producción de Hollywood que al de una película independiente, el director apuesta por diálogos largos, complejos, llenos de genialidad y donde el personaje de Christoph Waltz sale ganando con creces frente al resto de miembros del reparto. Vamos, que su marca y su método no se ven eclipsados por el hecho de contar con 70 millones de dólares de presupuesto. A eso se le llama confianza, lo digo por la Weinstein Company, tras el fracaso de Grindhouse (2007).

La película tiene un momento para todo, pero el tratamiento de Tarantino al curioso argumento y desenlace final no puede ser más cómico. Porque si, Malditos bastardos apuesta más por la comedia que por cualquier otro género, sacando a relucir instantes de esos en los que la sala de cine se parte de risa al unísono. Eso si, esos detalles de comedia se centran más en explotar el lado "villano" y, sobre todo, la caricatura de conocidos personajes históricos como Joseph Goebbels o el propio Hitler… este último desesperado por el mal que "Los bastardos" hacen sobre la moral de sus tropas.

En definitiva, otra gran película de Quentin Tarantino, no exenta de debate por como cuenta las cosas y que seguro asomará por los comentarios de esta opinión. Malditos bastardos no será la mejor obra de Tarantino, pero sin dudarlo se colocará en un puesto aventajado dentro de la corta carrera, en número que no en tiempo, de su personal director.

¿Cómo hace uno para hablar de algo que le ha encantado sin parecer cargante y extremadamente eufórico? Queda claro que es una tarea complicada, pero creo que esta vez me va a dar completamente igual y apostaré por sacar a relucir lo que más profundamente me ha parecido esta casi obra maestra de la ciencia ficción moderna. Ojo, vete a ver la película antes de leer esta opinión, es necesario hablar de lo que ocurre para poder expresar las razones de esta opinión, por lo tanto hay algún que otro spoiler, menor o mayor pero los hay.

Tras muchos infructuosos intentos y baldíos esfuerzos porque su apadrinado Neill Blomkamp llevara al cine la adaptación del famoso videojuego Halo, Peter Jackson decidió demostrar a todos aquellos que no le creyeron en su día que Blomkamp era mucho más que debutante prometedor en las artes de la dirección y la creación de historias, ved si no "Alive in Joburg", la verdadera razón de que exista District 9. Contando con la ayuda de Terri Tatchell, Blomkamp ha desarrollado una fabulosa joya dentro del codiciado y complejo género de la ciencia ficción añadiendo además la capacidad de sorprender incluso más allá de esta vertiente cinematográfica. District 9 (2009) ofrece una alegoría de los permanentes conflictos sociales y políticos debidos a la discriminación, al abuso de poder y la lucha por los derechos de las diferentes clases… aunque en este caso deberíamos hablar de razas.

Póster español de District 9

Con un nacimiento en modo documental donde se nos informa que hace 20 años una nave nodriza se posó sobre la ciudad de Johannesburgo, descubrimos que a modo patera esta gran nave iba en realidad repleta de criaturas alienígenas desnutridas y al borde de la muerte. Adoptando los métodos de acción habituales de estas situaciones, las autoridades mundiales, con la MNU (Multi-National United) como cabeza visible de la gestión del conflicto, deciden trasladar a las criaturas, en adelante bichos, a una localización donde, como consecuencia lógica, acaba por formarse un gueto. Los años pasan y los conflictos entre los habitantes de Johannesburgo y los bichos afloran del mismo modo que las diferencias sociales marcan el día a día de los noticiarios mundiales. ¿Qué razón hay para que tal o cual tipo de gente viva cerca de donde vivo yo pudiendo estar, por ejemplo, mucho más lejos y sobre todo más controlados? El racismo o el odio a lo diferente son una de las múltiples críticas que se esconden en el film.

De ahí pasamos al momento actual, la MNU pone a Wikus Van De Merwe, inconmensurable el trabajo de Sharlto Copley, al frente de una operación por la cual los bichos serán "trasladados" del gueto en el que viven a una especie de campo con mejores viviendas y donde, de paso, podrá mantenerse un mayor control sobre los desmanes que en este tipo de reductos acaban por consolidarse: crimen, drogas, prostitución, tráficos de armas y más diferencia incluso entre ellos mismos. Eso si, el verdadero interés del MNU no es acabar con la degradación social que se vive dentro del gueto, las investigaciones genéticas y sobre todo las armamentísticas son lo que mueven a esta compañía que, no en vano, se ha convertido en el segundo fabricante mundial de armamento. Es en ese momento, aunque desde los primeros minutos del film nos lo desvelan, cuando algo inesperado ocurre. Ese algo será un punto de inflexión en la peculiar vida de Wikus y marcará el descubrimiento por parte del protagonista de lo que puede llegar a pasar cuando dejas de ser uno más y te marcan con un estigma dificilmente ocultable. La marginación social y verse como objeto de experimento obligará a Wikus a abrir lo ojos, a darse cuenta de los valores de la vida y a reconocer los auténticos derechos que deben predominar en toda sociedad. Lo que en un principio iba a ser una lucha en su propio beneficio, la búsqueda de una cura, se torna en una lucha por los derechos de otros y por tratar de lograr una más que merecida libertad.

Junto al gran guión y a la repleta de realidad historia, District 9 es una demostración más de que no hace falta disponer de más de 100 millones de dólares para hacer un blockbuster y que de paso se trate de una gran película. Con 30 kilos te sobras para lograr unos efectos tanto o más convincentes que esos cacareados trabajos de ILM, para añadir dosis de acción infinitamente superiores en originalidad y calidad a muchos productos veraniegos que marean a todo bicho viviente, y para que un actor como Copley demuestre que infinitamente mejor que muchas estrellas de Hollywood cuando lo que hay que hacer es interactuar durante dos horas con personajes creados completamente por ordenador. Ojo, Shartlo Copley se pasa media película haciendo un auténtico monólogo y es capaz de evolucionar su personaje de un vilipendiado y puesto a dedo gestor a un férreo luchador por sus forzosas nuevas convicciones. Añadamos dosis de comedia, generosas aportaciones gore, algún que otro guiño a clásicos de la ciencia ficción como La mosca (1986) de David Cronenberg, y detallitos de esos que marcan la diferencia. District 9 es de lo mejor del año.

Pues nada, después de esta parrafada no puedo despedirme de otra forma que no sea recomendando encarecidamente que acudáis a las salas de cine en masa para ver District 9 de Neill Blomkamp. Una joya de la ciencia ficción moderna y un nuevo film de culto que marca el inicio de una esperanzadora y notable carrera. Obligada debería ser su visión y su compra en DVD o Blu-Ray cuando sea menester.

¿Estás preparado para una brutal dosis de cine extremo, de descontrol, de desparrame mayúsculo o de movimiento de cámara sin freno? Mark Neveldine y Brian Taylor, los padres de la frenética y sobrecargada Crank: veneno en la sangre (2006) y de su inminente secuela Crank: alto voltaje (Crank: High Voltage, 2009), vuelven a la carga con su tercera incursión en el noble arte de la dirección cinematográfica. Esta vez ponen el ojo, y la bala, sobre los más sucios realities, los omnipresentes mundos virtuales de los juegos de simulación de la vida como los Sims, los hiperviolentos shooter o las redes sociales online más decadentes, con todo el respeto solo me viene a la cabeza Second Life. Juntemos todo esto y vayámonos a un futuro no muy lejano, el cartel que decora el post indica un estreno para el 3 de septiembre de… ¿2052?, ahora eliminemos esa importante frontera que delimita en estos momentos la diferencia entre el mundo virtual del real, condimentemos el plato con altas dosis paranoicas y el resultado final, una vez horneado en las viciosas mentes de Neveldine & Taylor, será Gamer.

Curioso póster de Gamer… 3 de septiembre de ¿2052?

Rememorando ya grandes clásicos de la ciencia ficción moderna como Perseguido (The Running Man, 1987) o Battle Royale (Batoru rowaiaru, 2000), y no tan clásicos como La carrera de la muerte del año 2000 (Death Race 2000, 1975), Neveldine & Taylor ofrecen en Gamer un nuevo giro al concepto de cine reality donde la gente se entretiene mientras otros son masacrados o deshumanizados. Sacando jugo a un mercado de esos que vende a manos llenas, los juegos online multijugador, el dúo de directores nos llevan a un tiempo donde injertos de células en nuestros cerebros permiten, a todo aquel que pague, controlar vidas y destinos ajenos. El creador de todo este mundo online real es Ken Castle (Michael C. Hall), un genio de la tecnología y multimillonario que ha llevado los juegos virtuales de socialización y los shooters a un nivel inimaginable y sumamente controvertido… lo que un día fue virtual es ahora real. Primero fue "Society", en donde logras ser lo que no eres y, entre otras muchas cosas, liberarte sexualmente obligando a otros a hacer todo aquello que se te pasa por la mente. Ahora triunfa "Slayers", donde los jugadores controlan a reos condenados a muerte para que se vean las caras en violentos enfrentamientos en masa mientras luchan por el gran premio final… aquel que viva 30 partidas seguidas logrará la libertad. Tanto "Society" como "Slayers" son juegos reales que además son retransmitidos para disfrute de todo el mundo, pura decadencia. El gran protagonista del momento en "Slayers" es Kable (Gerard Butler), estrella y héroe de culto para miles de fans de este ultraviolento juego. Su controlador, un joven llamado Simon (Logan Leman), ha logrado que Kable haya sobrevivido ya a 27 partidas al tiempo que se ha convertido en una estrella mediática con un estatus envidiado por medio mundo. Todo cambiará cuando Kable logre ir más allá, su sueño de supervivencia se transformará en un deseo de libertar para volver a reunirse con su familia.

Que Neveldine & Taylor están pasados vuelta y media es un hecho. Que Neveldine & Taylor son los únicos en Hollywood que llevan el cine de acción a niveles de desenfreno paranoide también lo es. Que Neveldine & Taylor han hecho en tres películas lo que les ha venido en gana y han cuajado buenos resultados es la más pura realidad. Esto vende y Neveldine & Taylor lo tiene tatuando en sus molleras. Gamer es un completo bombardeo de secuencias sin descanso que acaban por hiperactivarte lo quieras o no. Tengo que reconocer que los primeros 45 minutos de película me han parecido entretenidos y molones, el modo shooter en el que se mueve Gamer es sencillamente fabuloso, nada de medias tintas como las que pretendieron ofrecer en un par de mediocres secuencias de la maltrecha Doom (2005). De ahí en adelante, y para sorpresa del habitual modus operandi del dúo sacapuntas, Neveldine & Taylor comienzan a perder fuelle al tiempo que el desarrollo flojea en vitalidad e interés. Ni el guión se mantiene ni lo que ocurre resulta medianamente interesante. Todo se queda en un producto 100% previsible donde el desenfreno va perdiendo ímpetu hasta el visto y no visto final. En fin, entretiene aunque a medias. Al fin y al cabo logra el mismo efecto que los productos que tanto critica. Definitivamente es un película que vendrá, ahora y en un futuro, como anillo al dedo para poner a parir a esos mundos online y juegos de socialización por los que tantos beben los vientos.

 NOTA  Visto Crank: veneno en la sangre y Gamer, y pendiente de ver Crank: alto voltaje, comprendo como Warner Bros. le quitó de las manos a Neveldine & Taylor la opción de dirección en Jonah Hex (2010)… hubiera sido una completa escabechina. Eso si, el guión sigue siendo de ellos y eso puede poner en peligro el producto final.

Se acerca septiembre y este domingo, después de esta última ajetreada semana, se presenta relajado y sin mucho que contar. El par de noticias que se han producido las anotaré mañana y así hoy puedo publicar la merecida opinión de Punisher 2: Zona de Guerra (Punisher: War Zone, 2008) de Lexi Alexander, film que debido a su monumental fracaso taquillero en USA fue destinado a una distribución "cine en casa" en la práctica totalidad de mercados internacionales.

Tras el descontento general recolectado por Lionsgate y Marvel con El Castigador (The Punisher, 2004) de Jonathan Hensleigh, floja aportación a explotar el antihéroe por antonomasia de la factoría comiquera que pese a todo recaudó 54 millones de dólares, la decisión tomada por las compañías fue relanzar de nuevo la franquicia intentando ser más fieles al concepto del cómic y su línea más dura Max. La idea era clara, hacer con Frank Castle lo mismo que se intentaba lograr con Bruce Banner. En el caso de Hulk se logró medianamente, dejando de lado las calidades de las películas, discutibles y discutidas, El increíble Hulk (The Incredible Hulk, 2008) de Louis Leterrier amasó 263 millones de dólares mientras que la vilipendiada Hulk (2003) de Ang Lee se hacía cinco años antes con 245.

Carátula del DVD de Punisher 2: Zona de Guerra

Pues nada, Lionsgate puso sus ojos en Lexi Alexander, una directora nacida en Alemania de nuevo cuño que unos cuantos años antes había realizado Hooligans (2005), un duro y bien aceptado film donde se describía el violento mundo de los hoolingans en el fútbol inglés. Alexander recibió carta verde para poder hacer lo que le viniera en gana. Se fichó a Ray Stevenson para que fuera el nuevo Frank Castle, bastante mejor opción que la pasada del teñido Thomas Jane, se decidió recuperar a uno de los grandes villanos del antihéroe, Puzzle / Jigsaw encarnado por un actor con tablas como Dominic West, infinita mejor apuesta que la del mediocre John Travolta, y se puso en el reparto necesarios personajes como Micro, interpretado por Wayne Knight, o Martin Soap (Dash Mihok). El resto del equipo no estaba del todo mal: Julie Benz, Doug Hutchison o Colin Salmon… todos secundarios que han trabajado en conocidos films y que afianzaban el elenco de actores. Los problemas sin embargo no tardaron en surgir. Primero malos rollos entre los guionistas, luego un supuesto despido de la directora que más tarde se acalló con confirmaciones, ruedas de prensa y desmentidos varios, o incluso la amenaza de ser PG-13! Todo se superó, los clips mostrados, sobre todo el de la Comic-Con 2008, auguraban acción a raudales y confirmaban que la calificación R otorgada por la MPAA cumplía con lo esperado… Punisher: War Zone iba a ser un fiel reflejo de la línea Max.

¿Y la película? Pues seamos realistas. Es un producto entretenido, desmesuradamente violento, algo de agradecer en los tiempos que corren aunque es un gran riesgo que te castiga duramente en taquilla, y con un guión excesivamente mediocre… por no decir que tremendamente malo y no aporta nada… ¿debería hacerlo?. La historia es sencilla, Frank Castle es un ex-agente que tras el asesinato de su familia se dedica a limpiar la ciudad de todo indeseable que se salte las reglas marcadas por la ley. Castle no aplica juicios, los ejecuta y sigue su camino. Tras seis años de actividad, y mientras arrasa con la familia mafiosa de Gaitano Cesare, acaba por error con la vida de Nicky Donatelli, un policía infiltrado, al tiempo que destina a Billy Russoti a ser pasto de una trituradora de cristales que le deja completamente desfigurado. La casualidad, y el no pararse a preguntar antes de abrir fuego, llevará a Castle a ser el nuevo hombre más buscado de la ciudad. Por un lado la policía querrá darle caza tras la muerte del agente infiltrado y por otro Russoti se convertirá en Jigsaw, nuevo líder mafioso que intentará acabar sea como sea con el vengador. En este punto, y con la aparición del penoso "Loony Bin Jim", el sicótico y cargante hermano de Jigsaw interpretado por Doug Hutchison, el descontrol y lo absurdo de la historia desbocará en una imparable masacre donde morirá todo bicho viviente que se ponga delante de Frank Castle y sus captores. Amputaciones, desmembramientos, explosiones craneales, cuchilladas, canibalismo, etc. Brutalidad sin contemplaciones.

La verdad, no me extraña que acabara como el rosario de la aurora en la taquilla y que fuera crucificada en su lanzamiento mundial. Si bien los incondicionales encontraron en Punisher: War Zone lo que les negaron en la película del 2004, no se puede negar que te lo pasas bien viendo el despiporre de cadáveres que Frank Castle deja a su paso – es peor que Atila -, eso no quiere decir que la historia sea tirada a la basura desde un principio. En fin, vale la pena verla, es entretenida, una serie B comiquera bien realizada pero no se puede esperar nada de ella. La ves, la disfrutas y la olvidas. ¿No se habrá planteado Marvel que igual El Castigador no es un personaje muy cinematográfico?, ¿a la tercera irá la vencida?… no se yo.

Han sido unos pocos los que se han animado a mandar ya un correo comentando su experiencia tras ver los 15 minutos de Avatar (2009) de James Cameron que fueron pasados ayer viernes en diversos cines de todo el mundo. Como lo prometido es deuda os dejo con sus impresiones, unas positivas, otras medianas y también las hay negativas. Sin lugar a dudas habrá que verla para sacar cada uno sus conclusiones. Muchas gracias a todos los que se han animado a compartir su experiencia, no se puede tener mejores colaboradores…

Gainax de De Cine y Otros Demonios

El viernes vi 15 minutos de lo que puede ser la mejor película en CGI que se ha hecho hasta ahora y no sólo eso, un 3D tan sorprendente que te introduce en la película, los objetos cobran vida y no solo salen de la pantalla, sino que pasan a tu lado de atrás hacia adelante, para no extenderme, es sorprendente en muchos aspectos técnicos, Cameron cumplió lo que prometió y aún falta vivir la historia.

Blake de Viaje de un Director de ilusiones

He vuelto de verlo y tengo que decir….IN-CREIBLE. Son un total de 6 escenas y al final un popurrí de imágenes de acción. Tremendo señores, tremendo. La primera escena es del “jefe de seguridad” dando una charla a varios soldados sobre su seguridad en pandora. Este clip me ha gustado mucho por los planos y el ambiente de “terraza-militar”. El segundo clip es mi favorito y es de cuando Jake se tumba en la cápsula y habla con Sigourney Weaver…chistecito por aquí, pantallas de ordenador (parece que las puedes tocar) por allá y Jake se levanta en su otro cuerpo. Aquí hay algo acojon**nte que es un plano de la cabeza del Avatar tumbado y recostado en la almohada que es….HIPERREALISMO, si y lo digo otra vez, ese plano del Avatar en la cama es HIPERREALISMO. Parece absolutamente real e interactúa con los médicos de una forma alucinante. Los otros clips son de una escena de acción con un animal parecido a Sammael donde si puedo poner una pega. La cámara se mueve en exceso y llega a marear. Los paisajes son alucinantes, ves las hojas caer alrededor tuyo y es como si estuvieras en Pandora. Si, esto no es ver una película. Es estar en Pandora, sientes que es un mundo propio y Cameron consigue que escudriñes los árboles del fondo buscando animales y flora. TREMENDO. El aspecto de los N´vi si canta un poco a CGI cuando se mueven mucho, eso si, pero cuando están quietos, sobre todo el de Sulley es totalmente realista. Hay un momento del último clip donde los guerreros eligen a su “montura” para la batalla y Jake doma a una criatura voladora. Pues hay un plano con la cabeza del animal en el suelo y sujetado por Jake en el que pensé: “Dios mío si parece un animatronic de Jurassic Park”. Una escena de vuelo por Pandora con unos paisajes…UNOS PAISAJES…..que ahora miro por la ventana de mi casa y la montaña de enfrente me parece menos real que la de Avatar. Muy grande. Y lo dicho, claro que a veces canta el CGI pero hay momentos que es realista cien por cien. Y tienes que decir…”es ordenador, es ordenador”. No es como ver una peli, es estar dentro de ella, es distinto. Te dan ganas en vez de ver la conversación entre Jake y Sigourney de decirles “Hola Sam” o “Que bien te queda ese pelo “Miss” Weaver”. Tenéis que verlo en 3D. El tráiler es un 15% del potencial y de lo que realmente es. GRANDE CAMERON.

AlbertoBBZN de Zona Negativa

15 minutos de Avatar. Worst hype ever. Pretenciosa, mareante y lo de los 3-D… si pero no. Tanto pa nada.

Albert Álvarez de albertalvarez.com

Ya empieza, cierran las luces, durante unos veinte segundos no se oye nada, estamos a oscuras. ¡La expectación es máxima! Aparece James Cameron, dice algo así: No revelaremos detalles importantes del argumento, bienvenidos a Avatar… Nos colocamos las gafas especiales para ver 3d. Secuencias del teaser ampliadas, doblaje en español, todo a un ritmo más pausado y muestran además escenas que no salen en el teaser, por ejemplo Sigourney Weaver en forma humana y en forma Na’vi. El efecto 3d es espectacular, nunca había visto nada parecido, un escalofrió me sobrecoge en varias secuencias, estoy dentro de ese mundo, ya no siento que esté sentado en una butaca. El mundo de Pandora tiene una factura impecable, el momento de Jake Sully y Neytiri de noche en medio de una vegetación luminiscente es fantástico, pueden apreciarse como se mueven las plantas y hay mariposas que revolotean por los lados en diferentes capas de profundidad, se nota que han cuidado al mínimo detalle y en 3d se puede apreciar esto. Me he quedado con cara de felicidad viendo la personalidad, magia y la vida que desprenden cada uno de los fotogramas. Te olvidas de que estás viendo 3d y te absorbe por completo. Me doy cuenta de que es algo que debe experimentarse con las gafas y en una pantalla gigante, ya había visto el teaser en hd antes y créanme la sensación es totalmente distinta. Al final incluyen una secuencia rápida de imágenes parecida al teaser, aparece el logo de AVATAR, Diciembre, fundido a negro. No se oye nada, la sala esta silenciosa durante unos 10 segundos, están todos atónitos, reaccionamos, volvemos al mundo real, todo el mundo aplaude. Y esa fue mi experiencia, Espero que te sirva, ya que he leído que tú no has podido ir, espero que te hagas una idea. Mi recomendación, no os perdáis AVATAR. Hay que verla en cine 3d para saber lo que es realmente.

Daniel García

En pocas líneas, la gran pregunta después de las expectativas creadas, es si conseguirían el realismo que hoy hemos visto en los Na´vi si tuvieran que recrear también en animación a los personajes reales, al estilo de Beowulf. Por ello las criaturas son extremadamente realistas en movimientos y expresiones, pero se nota una clara diferencia entre la animalidad de ella que lo humano de él. Los movimientos felinos de ella parecen más fáciles de creer en un personaje así. Por otro lado, efectivamente los paisajes están muy trabajados, aunque aún me pregunto por que si estamos ante el 3D siguen desenfocando fondos y figuras. Entiendo que el 3D sea el futuro de las salas, pero no me parece el principal reclamo para ver una película. En este caso, el principio en el mundo humano de imagen real el 3D es fantástico, pero accesorio. En el resto, el detalle de la animación es más importante que el trabajo de la perspectiva. En resumen, más ilusionante que lo visto ayer, aún cuando la estética hipercolorista de esa especie de jungla no me guste en absoluto.

Xab!

No voy a narrar las escenas una por una ya que ya lo han hecho en el post que has subido hoy, faltarían por describir las que salen de noche Jake y Neytiri que es una pasada, qué colores, qué luces, que maravilla de mundo. Y por último el rito de iniciación de Jake, en la que intenta unirse con su "bestia voladora" (no recuerdo como le llamaban a la criatura), cómo tiene que elegirla y como se bate en combate con ella hasta que consigue sellar el vínculo y emprende su primer vuelo. Simplemente espectacular, faltan las palabras para describirlo, los paisajes, es algo que no se ha visto así NUNCA antes. Si el trailer me maravilló en vez de defraudarme como a muchos, en 3D y en pantalla grande no puedo describirlo… da igual las quejas contra James Cameron que tenga la gente sobre su falta de humildad o por si ha cumplido o no con las espectativas, recomiendo pasar de eso, y disfrutar de esta maravilla moderna que se nos ofrecerá en diciembre. Yo no sabía ni que hacer aparte de disfrutarlo, me sentía dentro de las escenas, la nitidez de la imagen y los planos, no sabría explicar el qué, pero han conseguido que se vea distinto y obviamente muchísimo mejor que el resto de películas hasta ahora. Las expresiones faciales, y los movimientos de los Na’vi, como del resto de las criatuas… increible, hiperrealista totalmente. Es tal y como dicen en los otros post, cante o no cante el CGI, que en mi opinión no lo hace, emite emociones, no como lo visto hasta ahora, con esas miradas vacías o artificiales, aquí ves sus rostros, sus grandes ojos, y te sientes identificado y metido en su papel. Me ha parecido increible, es lo que llevaba años deseando, poder ver un mundo totalmente nuevo, con su fauna, flora, y paisajes diferences a lo que acostumbramos a ver. Y me lo muestran de esta manera y calidad tan sublime que no sé ni como voy a aguantar hasta diciembre. Me olvidaré de muchas cosas, ya que me podría tirar horas y horas comentando hasta el último detalle, pero acabaría siendo lo que han dicho antes algunos compañeros. No es sólo una película cualquiera, se te invita a realizar un viaje con Jake por todo Pandora, y acabas con un ojo a cada lado, intentando captar hasta el último detalle de cada fotograma, sea en los personajes, criaturas, o detalles del fondo, ya que te sientes dentro de él. Un saludo, y espero que todos los que sintáis una mínima curiosidad vayais a disfrutarlo en 3D en diciembre.

Fede

Pues yo, tal y como dije la semana pasada, me metí hoy directo a los 15 minutos de Avatar que proyectaron aquí en Sevilla. Para empezar, de 15 minutos nada de nada, tal vez llega a 10… pero señores, que 10 minutos de gloria!!! No es mi intención dar envidia a quien no lo ha visto, pero por lo que a mí respecta, el Sr. Cameron a logrado hacerme una máquina de publicidad de Avatar de aquí a diciembre. La verdad es que son unas cuantas escenas que apenas desvelan nada, apuntan por donde irán los tiros argumentalmente, pero el impacto visual es de categoría: Cameron ha cumplido (o mejor dicho, va a cumplir) lo prometido… son sin duda los personajes sintéticos más perfectos que este que escribe haya visto jamás. Los movimientos, las expresiones faciales, la anatomía de la fauna, los fondos fluorescentes… El trailer visto ayer no basta en absoluto para hacerse idea de lo que Avatar pueda darnos en Navidades. Una jugada maestra a nivel de marketing por parte de Fox: a mí me tienen convecido… Saludos

xMeNux de ExpedientesX.es

Una pena el hype creado por unos minutos demasiado destripantes ya que, sin duda, resumen TOTALMENTE el film (al menos en un 90%). Y es que las escenas escogidas además de ser las únicas probablemente 100% montadas son las cuentan el núcleo principal de la historia, y además el resumen de los últimos segundos… La escena con Bulbasour es brutal (el rinoceronte/pez martillo/flor), pero acaba con una pelea con un tigre negro. Este avance no continue unos minutos iniciales para preparar nuestros ojos ante el 3D (como por ejemplo "Beowulf") por lo que fue mareante para mi y para todos los que allí estábamos. Además el 3D no parece que haya evolucionado mucho, lo que si ha mejorado ha sido la intrusión de personaes reales con animaciones, algo realmente INCREIBLE y es que la primera escena del Na’vi parece más real este que el médico. Sencillamente genial. Personalmente me he quedado con ganas de más, pero no creo que el 3D sea la solución ni la mejor opción a día de hoy. El 3D no es lo mejor de la película, es la preciosa y tremendamente colorista animación (genial el bosque en plan luces negras) lo que harán de ella una película imprescindible. Lo peor de todo es que la historia es muy vieja, nada nuevo y solo efectista. Ese es el punto fuerte de Cameron para este film

Diego Bartolomé

Lo prometido es deuda, si Cameron dijo que Avatar sería una revolución, estaba en lo cierto. La fe, el trabajo y el empeño que ha puesto en este trabajo hará historia, al igual que la experiencia que será visualizarla en el cine por parte de los espectadores. Avatar me ha sumergido en el mundo de Pandora con solo un par de escenas, las cuales muestran una labor de creatividad y producción bestiales. Es solo pensar que la mayoría de escenas se han desarrollado en escenarios llenos de pantallas verdes y aun no te lo crees. La fauna es asombrosa, bella e hipnotizante, no paré de buscar todos esos detalles que poseía cada animal, cada planta. Los años de desarrollo de tecnologías han dado su fruto, y los que en el trailer veíamos a unos Na´vi cuyo Cgi se notaba nos equivocabamos, yo soy el primero que se ha comido sus palabras. El trailer no hace justicia ni a 1080 líneas de Hd. La tecnología 3D usada ayuda mucho a consiguir ese nivel de realismo apabullante, que el trailer no puede mostrar. Es cierto, que en ciertos momentos, tal vez los Na´vi puedan cantar mucho más a digital, pero no podemos negar, que llegados a ese momento, lo que nos importará será la película y la historia en sí. Viendo mi opinión, me doy cuenta de que parece que he hecho una pequeña crítica de la película completa, y lo único que en realidad he visto ha sido un avance de unos 15 minutos comparado con la cinta de 2 horas en movimiento. Por eso, hay que prepararse para lo que viene, Avatar prometía de verdad, y yo personalmente creo que de momento ha cumplido con lo dicho y sin habernos enseñado mucho

Omar Puerta

Saludos desde Caracas. Para comenzar el evento fuimos recibidos por un representante de Fox Latinoamerica, dandonos las gracias por atender al evento, y diciendonos que la proyección que veriamos no contiene ningun spolier, y que la pelicula tendra una duración de 3 horas! La proyección del avance de Avatar que vimos aqui estaba en ingles con subtitulos, y estos tenia cierta profundidad dentro del efecto 3d tambien. No estoy seguro que a todos le agrade leer subtitulos en una pelicula 3d, yo decidi ignorarlos y escuchar el audio directamente. Ya que te han contando en detalle las escenas, solo te dire mi impresión general. Para la expectativa que se habia creado alrededor de la pelicula, no sali en absoluto decepcionado. Es cierto que el contraste entre actores reales y CGI se puede apreciar, pero la integración entre estos elementos es realmente impecable, por ejemplo la escena donde Jake despierta en el Na´vi. Donde en mi opinión destacará la pelicula más alla del gran nivel de detalle y realismo en el CGI, es en lo convicente que es el uso del 3d. Y no solo en escenas de acción como la persecución en el bosque o el vuelo en la bestia voladora. En la escena de noche alrededor de una fogata el 3d te sumerge de una forma que no habia visto nunca: el bosque cobra una vida que es imposible describir: las luciernagas volando de aqui para alla, hojas callendo, el efecto de lens flare al pasar la cámara fente al fuego.. Y lo mejor de todo es apreciar en los close up a los rostros de los Na´vi que hasta los ojos tienen profundidad y te hacen creer que ese personaje CGI posee vida propia. A nivel técnico ya esta asegurado que Avatar sera todo un espectaculo, solo nos queda esperar que la historia y actuaciones esten a la altura del apartado visual. Uno de mis amigos dice que la trama será "Pocahontas meets Starcraft". Ya lo veremos en diciembre

CP Palacios de TARDIS Rol Blog

Ilusión y desconfianza. Ilusión por que el 3D por fin vale la pena en pantalla grande, el derroche visual es absolutamente impresionante y recuperamos a sigourney weaver, mezclandola con buenos actores en boga. Desconfianza, por que el guión parece muy sencillo, aunque una buena historía no tiene por que ser compleja, y por que abusemos de la historía de pocahontas y la inocencia heroica de los salvajes duros de matar. En resumen, puede marcar época, y hasta puede ser una gran pelicula, si no, por lo menos habra otras que sigan su estela.

 NOTA  Si llegan más opiniones a uruloki punto org arroba gmail punto com las iré añadiendo al post.

Al fin un domingo sin nada que contar y con tiempo suficiente para poder escribir una de las opiniones que tenía pendientes y que estaban siendo reclamadas. Creo que fue el pasado 22 de julio en los cines de Fuengirola cuando pude acudir a ver Harry Potter y el misterio del príncipe (2009) de David Yates, la puerta de entrada al doble cierre cinematográfico de una de las sagas mejor amortizadas de la historia del cine. Con el último libro de J.K. Rowling fresquito, lo terminé en abril de este año, acudí al cine con ganas de encontrarme algo del nivel de Harry Potter y la Orden del Fénix (2007)… personalmente la segunda mejor película de la saga tras la por ahora insuperable Harry Potter y el prisionero de Azkaban (2004) de Alfonso Cuarón. Mal trago fue, sin embargo, el que pasé al encontrarme un film descafeinado, que da la sensación dejar muy de lado bases importantes de la trama del libro y donde la cargante ñoñería sirvió para dejar claro lo que Warner Bros. quiso ofrecer pese a gastar la friolera de 250 millones de dólares, cosa que todavía me cuesta comprender, y dada la poca fuerza con la que se ofrece el traumático final de la película.

Póster español de Harry Potter y el misterio del príncipe

Es importante dejar claro que visualmente vuelve a cumplir con creces. La saga ha ido evolucionando más y más al mismo ritmo que las novelas. Tras el punto de inflexión marcado por Caurón, se mantienen esos detalles que convierten a la saga Harry Potter en una maravilla de la dirección artística, la iluminación y los efectos digitales. Pese a todo es el guión de Steve Kloves, que retorna a los mandos de la adaptación de las obras tras el buen sabor dejado por Michael Goldenberg, lo que me ha desconcertado. Vale que la obra escrita puede ser entendida como de simple transición, pero con ese estigma sigue conteniendo dos puntos fundamentales en las aventuras del personaje y que destacan sobre manera. La película, a pesar de ello, profundiza de forma desigual en estas tramas. La eterna caza a Lord Voldemort, personaje ausente en toda la película salvo su presentación inicial como un niño en un orfanato, sigue ahí, como debe ser, pero el titular "misterio del príncipe" no llega a cuajar como debería. Esta fundamental trama se diluye rodeada de relaciones personales que si, estaban igualmente presentes en la obra escrita, pero que deberían haber tenido menos presencia en pos de uno de los factores más importantes de todos los libros. De paso atenúan incomprensiblemente el desenlace final. Puede que sea 100% fiel en lo tocante al viaje compartido por Harry (Daniel Radcliffe) y Dumbledore (Michael Gambon), pero el destino de Draco Malfoy (Tom Felton) y todo lo que le rodea queda como apartado con ese desenlace llamativamente pobre… ¿gastando 250 millones y adelgazan vergonzosamente el importante final?

En fin, a nivel reparto pues poco se puede decir, todo sigue igual. Los actores jóvenes crecen en calidad, unos más que otros, y los veteranos tienen suficientes tablas como para levantar esta y otro par de miles de películas… me llamó la atención lo avejentada que está Maggie Smith en su papel de la profesora Minerva McGonagall. No me ha gustado, sin embargo, la poca improvisación musical de Nicholas Hooper. Nuevamente el tema clave del score de Harry Potter y la Orden del Fénix, Fireworks, vuelve a tener un merecido protagonismo pero no encaja ni con cola, el resto de la composición no me ha llamado la suficiente atención. Ojo, pese a todo, el film ha funcionado "espectacularmente" en la salas de cine. En el mercado USA hay que reconocer que ha ido medianamente bien poniéndose a la altura de sus predecesoras. Eso si, ha cubierto bastante justo el presupuesto invertido… 280 millones recaudados frente a los 250 invertidos. El mercado internacional es el que sin embargo ha cumplido como siempre elevando las cifras de recaudación del film a unos apabullantes 822 millones de dólares. Semejantes cifras ocultan algo que parece indicar que la película no ha funcionado como debían esperar. Es curioso ver como el film más caro de la saga ocupa el quinto puesto en recaudación sobre el total de la misma.

En definitiva. Aunque no haya sido lo que esperaba recomiendo verla. Es una saga y no puedes eliminar una parte crucial de la misma. Esta claro que no siempre llueve a gusto de todos.

Tras muchos años de espera, uno de los juguetes más presentes en la infancia / juventud de muchos de nosotros ha dado su salto definitivo al cine. La compañía juguetera Hasbro y Paramount Pictures, a través de Spyglass Entertainment y Lorenzo Di Bonaventura, han unido sus fuerzas para ofrecernos las aventuras del grupo de élite G.I. Joe haciendo frente a los villanos de Cobra… en definitiva un primer capítulo de una posible prolífica saga que han titulado G.I. Joe: The Rise of Cobra (2009). Para hacerlo realidad han contado con el siempre esperanzador Stephen Sommers, artífice de grandes aventuras como La momia (1999) o mayores decepciones como Van Helsing (2004), dirigiendo un guión reescrito por Stuart Beattie, el trabajo previo era de David Elliot y Paul Lovett, y este a su vez basándose en una historia que combinaba ideas del escrito original, además de aportaciones de Michael Gordon, Beattie y el propio Sommers. La verdad sea dicha, han sido tantos los que han metido mano que los folios donde se ha escrito el guión no valen ni para ser usados como papel de liar. Ojo, pese a todo el resultado final es mucho más agradeble y disfrutable de lo que se esperaba: entretenimiento 100% non-stop y sobre todo ver a todos esos personajes que en muchos momentos de nuestras vidas nos hicieron compañía mientras creábamos imaginativas aventuras ejecutadas en el salón de la casa de nuestros padres o amigos.

Póster español de G.I. Joe (G.I. Joe: The Rise of Cobra)

En primer lugar no se puede negar que estamos ante un blockbuster veraniego en toda regla. Hollywood ha establecido un limite inferior de requisitos para que todo proyectos pueda optar a este título y la gran mayoría de estudios cumplen con estos mínimos, y optan por no ir más allá de las verdaderas posibilidades del producto que tienen entre manos. En el caso de G.I. Joe: The Rise of Cobra pues otra vez se cumple con lo esperado. Estamos ante un film donde el mayor logro, y uno de los más difíciles de cumplir en los tiempos que corren, es que el entretenimiento esté asegurado durante los 118 minutos de metraje. Esto hay que reconocerlo y aplaudirles por ello pero poco más… muchos actores conocidos, otros que pese a todo ni fu ni fa, unos cuantos desaprovechados, frases de esas que hacen chirriar los oídos y unos aromas con deje fotocopiadora a La guerra de las galaxias (1977) o El retorno del Jedi (1983) que meten auténtico miedo.

La historia es sencilla y no tiene complicaciones, el grupo terrorista Cobra muestra su cara por primera vez al mundo. Apoyándose en el último McCullen (Christopher Eccleston) y haciendo uso de sus dos mejores agentes, La Baronesa (Sienna Miller) y Storm Shadow (Byung-hun Lee), perpetrarán un engaño contra la OTAN que hará intervenir a los G.I. Joe y su unidad de élite formada por Heavy Duty (Adewale Akinnuoye-Agbaje), Shana ‘Scarlett’ O’Hara (Rachel Nichols), Snake Eyes (Ray Park), Breaker (Saïd Taghmaoui). En medio del fregado tendremos a Duke (Channing Tatum) y Ripcord (Marlon Wayans), dos militares que se acabarán uniendo a los G.I. Joe para acabar con los planes de dominio mundial de Cobra. Lo mejor es no entrar en detalles de la trama, hay muy poco que descubrir y con soltar un par de frases ya resumes toda la película y los secretos mejor guardados.

Mención especial merecen los cameos, unos más largos que otros y que probablemente tengan más presencia en el futuro, de algunos de los actores que le dieron la gloria a Sommers en el pasado. Brendan Fraser como el personaje menor Sgt. Stone, Kevin J. O’Connor como el Dr. Mindbender y Arnold Vosloo como el mimético Zartan, este un fijo en segundas y terceras partes si nada lo impide. Tema a parte es la explotación de las dos grandes féminas del film. En la esquina derecha tenemos a Sienna Miller como La Baronesa y unos escotes de infarto en trajes realmente ajustados, muy acordes con la versión comiquera del personaje… sobre todo la más atrevida de Adam Hughes. En la esquina izquierda la tampoco olvidable Rachel Nichols como Shana ‘Scarlett’ O’Hara, otra que gasta buena talla y que sabe también como hacer que todos la sigamos con la mirada. Eso y la mala baba de los diseñadores de vestuario que erre que erre nos ofrecen detalles para animar más todavía la película.

Algo que sin embargo sorprende es que pese a los 175 millones de dólares de presupuesto, cifra descubierta por la cuenta verdades Variety, algunas de las escenas de efectos son bastante pobres en su resultado final. Las aeronaves de los G.I. Joe, las de Cobra, la entrada a "El Foso"… todo choca en comparación con la genial secuencia de la Torre Eiffel, entre persecución con los trajes aceleradores y destrucción es puro frenesí, o el combate en la base submarina montada por M.A.R.S. / Cobra, la sombra de George Lucas es alargada. Está claro que han querido enfatizar aquellas secuencias que requieren grandeza dejando un poco más de lado transiciones dedicadas a vuelos, aterrizajes y entradas más o menos triunfales.

En definitiva. Normal y muy entretenida. Ideal para ver, disfrutar de principio a fin y comentar con los amigos. Destinada a recordar tiempos pasados y sacar a la luz los cientos de perrerías que le hacíamos a los muñecos.

 NOTA  Sigo trabajando en otras dos opiniones que caerán tarde o temprano. La primera la de Harry Potter y el misterio del príncipe (2009), la segunda Punisher: War Zone / Punisher 2: Zona de guerra (2008) que no hace mucho salió en DVD / Blu-Ray.

El Sam Raimi más moderno es conocido por una inmensa mayoría por ser el padre de Spider-Man (2002), probablemente una de las mejores adaptaciones, si no la mejor aunque con permiso de X-Men (2000) o Iron Man (2008), de un personaje Marvel al cine. Pero Raimi tiene un pasado muy importante regado con cientos de litros sangre o millones de higadillos, y donde las vísceras, los desmembramientos, las posesiones y los desvanecimientos de público fueron la nota dominante en aquellos prometedores inicios. El personal estilo como director de Raimi no se formó en los albores del siglo XXI. No, ya con su ópera prima Posesión Infernal (Evil Dead, 1981), la estrambótica y extrema Ola de crímenes, ola de risas (Crimewave, 1985), la cómica Terroríficamente muertos (Evil dead II, 1987), el oscuro cómic que fue Darkman (1990), o la magistral El ejército de las tinieblas (Army of Darkness, 1992), Sam Raimi se definió como hacedor de imposibles y creador de un estilo único que solo él sabe explotar. Los años 90 vinieron marcados por su intento de entrar en el Hollywood más exclusivo alejándose por completo del género que le dio la vida pero aportando momentos únicos en obras propias como Rápida y mortal (The Quick and the Dead, 1995) o Un plan sencillo (A Simple Plan, 1998), o ajenas como El gran salto (The Hudsuker Proxy, 1994).

Póster de Arrástrame al infierno

Ahora Raimi regresa cual hijo pródigo a ese tipo de cine que le vio nacer y que tanto le dio. Con dinero, aunque condicionado por Universal Pictures para que la película tuviera mayor distribución y por ende un público más amplio que alcanzar, Sam Raimi nos ofrece Arrástrame al infierno (Drag Me to Hell, 2009), una película 100% disfrutable donde el homenaje a sus época pasada está tan presente que podríamos decir que hay una notable ausencia de originalidad. Aunque este detalle puede parecer importante no lo es tanto, hay que tener en cuenta que mucha de la gente que verá la película no tendrá ni idea del pasado del director. Ese Oldsmobile de 1973, ese nuevo uso del splatstick, ese chorro de sangre nasal que recuerda al inicio en el foso de El ejército de las tinieblas, esos ojos juguetones en sus dos versiones obra de los siempre solventes chicos de KNB EFX Group, y básicamente el desarrollo completo de la película, sigue un tremendo paralelismo a las obras que le vieron nacer. Esta vez Raimi ha cambiado en el protagonismo de su buen amigo Bruce Campbell por el de la joven Alison Lohman. Lohman interpreta a Christine Brown, una joven que trabaja como apoderada en una sucursal de un gran banco y que por presiones laborales se ve obligada a denegar un préstamo a Sylvia Ganush (Lorna Raver), una anciana gitana con muy malas pulgas que se queda sin casa. En venganza por lo ocurrido Ganush ataca a Brown y le echa un mal de ojo en forma de terrible maldición que deja a la joven a merced del Lamia, un ser diabólico que en tres días reclamará lo que ahora le pertenece… el alma de la joven. A partir de ese momento la vida de Brown comenzará a ir cada vez peor. Constantes y violentos ataques del Lamia, la relación con su novio Clay Dalton (Justin Long) se irá desgastando y su trabajo no será lo que ella esperaba.

Aunque la peli es muy gratificante en los tiempos que corren y se disfruta de principio a fin, hay que reconocer que Raimi, acompañado nuevamente por su hermano Ivan en el desarrollo del guión, no es que se haya estrujado demasiado la cabeza. Lo escrito, actualizando y modificando las situaciones, es una nueva versión de Posesión Infernal, con una protagonista que lo pasa putas, que sufre lo indecible y cuyo destino está en manos de un diablo juguetón y bastante salvaje. También bebe del pozo de la histriónica comedia de Terroríficamente muertos. Sirviéndose del mejor exceso, Arrástrame al infierno vuelve a provocar carcajadas en situaciones claramente desagradables, pero como es la protagonista la que las sufre pues más gracia te hacen. Golpes de esos que te descoyuntan, chupetones con babas, vómitos, tirones de pelo o nuevamente los ojos protagonistas son las notas desagradables que narradas como lo hace Raimi resulten gratificantemente cómicas.

En definitiva, Arrástrame al infierno es un homenaje / auto homenaje al pasado de Sam Raimi, una nueva vuelta de tuerca a sus orígenes más terroríficos y una película para pasárselo de miedo en estos calurosos días de verano. La única pega que le veo es que no sea más fuerte, esperemos que su versión para casa disponga de un Director’s Cut en la parte superior y que Raimi haya gastado algún galón extra de sangre en ella…

Hace casi dos meses, y por razones que todavía hoy me siguen agradando, tuve la curiosa oportunidad de recibir la novela de fantasía "El nombre del viento" de Patric Rothfuss. Tengo que reconocer que hasta ese momento no había oído hablar de ella ni de su autor, pero informándome mejor en la red descubrí con cierta sorpresa y bastante perplejidad que nos presentaban arriesgadamente a su autor como uno que de alguna manera aunaba los estilos narrativos de Ursula K. Le Guin, George R.R. Martin o J.R.R. Tokien, aunque si pretender imitarlos.

La verdad, en un primer momento de sorpresa uno no puede negar que hay veces que cuesta digerir aseveraciones de semejante envergadura pero no por ello decidí desaprovechar la buena oportunidad de leer, opinar y descubrir un buen escritor y el inicio de una atrayente aventura en forma de trilogía en un mundo de fantasía.

Antes de ponerme a comentar que me ha parecido el libro os dejo con la contraportada. Espero que os llame tanto la atención como me lo hizo a mi.

He robado princesas a reyes agónicos. Incendié la ciudad de Trebon. He pasado la noche con Felurian y he despertado vivo y cuerdo. Me expulsaron de la Universidad a una edad a la que a la mayoría todavía no los dejan entrar. He recorrido de noche caminos de los que otros no se atreven a hablar ni siquiera de día. He hablado con dioses, he amado a mujeres y he escrito canciones que hacen llorar a los bardos.

Me llamo Kvothe. Quizá hayas oído hablar de mí

Aprovechando los días que he tenido de vacaciones, repleto de momentos de asueto y descanso, decidí meterme de lleno de una vez en la lectura de "El nombre del viento" y, tras tres semanas de enfrascada dedicación combinada con el mantenimiento noticiero de blog, tengo que reconocer que lo que he leído me ha gustado bastante.

Aunque durante los primeros capítulos parezca lo contrario, la obra de Rothfuss nos introduce en realidad en el primer episodio de la creciente vida de nuestro ya adulto protagonista Kvothe. Planteado narrativamente como la historia del protagonista contada por él mismo, "El nombre del viento" es una obra que nos desvela los duros años de la infancia de Kvothe, de su época como miembro de una familia de artistas ambulantes, de como conoce a su primer maestro y como este descubre que hay algo más en ese joven que con pocos años logra hacer cosas que a otros les cuesta casi toda la vida. Todo evoluciona de manera interesante hasta llegar a un gran momento de cambio donde el sufrimiento más hondo y el dolor más personal hacen que los grandes retos que se le planteaban como posibles se alejen de manera inalcanzable. La vida sigue, los momentos difíciles se suceden y el personaje crece tanto en interés como en fuerza.

El libro, hay que tener claro que es el primero de una trilogía y que cuenta con casi 900 páginas, arranca de manera irregular y puede que algo monótona, esto te hace sentir que no necesitas avanzar la lectura con avidez y cuesta prestar la suficiente atención en varias partes de esta fase. Probablemente sea algo propio de los libros de este estilo, mantener un gran interés durante toda la obra es complicado aunque no imposible. Sin embargo llega a un punto de inflexión donde todo cambia y es cuando el verdadero sentido de la obra arranca… contar la vida de Kvothe y como llegó a ser la leyenda que en realidad es. Puede que no tan crucial y tremendo como el gran momento de cambio, pero es un punto donde todo gana en interés y hace que necesites leer más y más. Esta parte del libro es llamativa, creativa y repleta de retos que te hacen sentir curiosidad por saber que pasará después. Aventuras, descubrimientos, sorpresas, retos, etc. Todo se sucede introduciendo nuevos factores y emociones que hacen la lectura más y más amena. Lo malo es que este punto que se mantiene firme durante dos tercios de la novela tiene un final abrupto, un poco desconcertante y bastante cortante que con un continuará te hace sentir que será necesario seguir leyendo la obra de Rothfuss para saber las razones que han llevado a Kotvhe a regentar un taberna de un apartado pueblo.

En definitiva, un libro recomendable. Duro de leer al principio pero que dándole el tiempo suficiente te acaba atrapando y llamando a que lo sigas leyendo sin descanso. Lo malo, que se termina y te quedas con muchas dudas y con muchos puntos vitales de la historia de Kvothe no serán descubiertos hasta los siguientes libros. Lo bueno, que habrá más, que Rothfuss nos debe demasiado y que el segundo libro se hará de rogar hasta que Plaza & Janés tenga la oportunidad publicarlo.

Algo que me ha gustado es el nivel descriptivo que atesora Rothfuss, en ciertos momentos la sobrecarga de colorido, textura, aroma y gusto que aporta a sus descripciones hace que sientas más las situaciones que narra.

Os dejo aquí con alguna información interesante por si te animas a leerlo y disfrutarlo.

• Web oficial del libro: elnombredelviento.es
• Editorial: Plaza & Janés
• Colección: Éxitos
• Año publicación: 2009
• Páginas: 872
• Formato: Tapa blanda
• ISBN: 978-84-01-33720-8
• Precio: 22.90 €

Mientras sigo leyendo "El nombre del viento" de Patrick Rothfuss, y del cual espero comentar algo en unos días, aprovecho este domingo excesivamente parco en noticias para comentar "The Strain" / "Nocturna", el segundo libro de Guillermo del Toro que ha escrito junto a Chuck Hogan. Os dejo con la contraportada y luego una breve opinión:

UNA ESTIRPE MALDITA SE PROPAGA POR EL MUNDO. Y TÚ TIENES ALGO BAJO LA PIEL QUE LOS VUELVE LOCOS.

Un avión procedente de Berlín aterriza en Nueva York. Pero algo no funciona bien desde el momento en que toma tierra. Todas las luces del avión están apagadas, nadie responde a las llamadas de la torre de control, nadie contesta a los teléfonos móviles. Parece como si el avión estuviese muerto…

Lo que al principio se considera un virus muy contagioso pronto se revela como algo aterrador. Los "infectados" tienen mucha sed y sólo quieren beber… sangre. La epidemia se propaga a una velocidad de vértigo, y en pocos días toda la isla de Manhattan está invadida. Pero esto no ha hecho más que comenzar. Hay un plan siniestro para conquistar rápidamente todo el planeta.

Los viejos vampiros han regresado. La lucha entre el bien y el mal vuelve a encarnarse en estas criaturas tan antiguas como actuales. La desigual lucha entre estos seres sobrenaturales y una raleada banda de héroes humanos nos arrastra a una historia llena de acción, alianzas, traiciones y batallas que nos hace reflexionar sobre la condición humana, en la mejor tradición de las películas de su autor, Guillermo del Toro.

Conforme se avanza en la lectura de "Nocturna", se confirma que Guillermo del Toro está enganchado al cine y al horror como si de un adicto se tratara. Su demostrada capacidad como guionista y contador de historias, una nominación al Oscar por El laberinto del fauno (2006) y otros múltiples premios así lo confirman, traspasa esta vez la gran pantalla y se plasma en forma de historia de ficción y terror en el papel impreso. El estilo narrativo de "Nocturna" es completamente cinematográfico y, como si de otra de sus películas se tratase, nos va metiendo en varias historias enlazadas entre si que servirá para tejer una red de acontecimientos que ser irán resolviendo para llevarnos a un apresurado desenlace final. Si bien los dos primeros tercios de la novela, o igual los 3 primeros cuartos, la tensión traspasa las páginas y te mantiene completamente alerta y pendiente de los acontecimientos, creo que el hecho de que se trate de una trilogía es lo que al final provoca que ese desenlace vaya a la velocidad del rayo y que en una primera lectura cueste localizar los por que de lo que ocurre.

Si bien Guillermo del Toro y Chuck Hogan ofrecen una visión diferente del vampirismo habitual, y más cercana al concepto plasmado en Blade II (2002) por el director mexicano, da la sensación de que ambos autores quiere ofrecer cierto homenaje al clásico de Bram Stoker. Hay ciertos paralelismos en la llegada del mal, uno por mar en el Demeter y otros por avión en el vuelo 735, o en la función de ciertos personajes como Setrakian o Palmer, que, por razones de posibles spoiler, no comentaré aquí. En lo visual y descriptivo hay que destacar que "Nocturna" está más cerca de la violencia gráfica de los vampiros creados por Steve Niles y Ben Templesmith para la saga 30 días de noche y menos de ese neo-romanticismo que tan de moda está en estos últimos años. En definitiva, una lectura sin pretensiones, amena para el veranito, que engancha y que te deja con ganas de que más chupasangres impresos visiten nuestras librerías.

• Web oficial del libro: Nocturna – Suma de Letras
• Editorial: Suma de Letras
• Fecha de publicación: junio 2009
• Páginas: 560
• Formato: Tapa blanda
• ISBN: 978-84-8365-148-3
• Precio: 22 €