• Aquí tenemos el primer trailer de "Preacher", amén
  • Sitges 2015: High Rise de Ben Wheatley
  • Rumores bastante increíbles sobre ese posible film en solitario de Batman que veremos en el futuro
  • Novedades sobre Pacific Rim: Maelstrom AKA Pacific Rim 2 y Alien 5 (ni bien ni mal, si no todo lo contrario)
  • Otra batería más de imágenes de Suicide Squad con Harley Quinn, Killer Croc, Echantress, Amanda Waller y el Joker!
  • Locura Suicide Squad con el turno de Harley Quinn (Margon Robbie) y Deadshoot (Will Smith)
  • Gran vistazo al Joker y Echantress en Suicide Squad
  • Los cuatro primeros minutos de "Ash vs. Evil Dead" son canela fina
  • Sitges 2015: Smoke and Mirrors: The Story of Tom Savini de Jason Baker
  • Doug Liman vs. Joe Cornish vs. Shane Black por Gambit (FIGHT!)
  • Sitges 2015: Cop Car de Jon Watts
  • Edgar Wright ficha a Jon Hamm para Baby Driver
  • Sitges 2015: Slow West de John McClean
  • Star Wars: El Despertar de la Fuerza, el trailer definitivo para que te lo hagas encima
  • La Cumbre Escarlata (opinión)
  • Sitges 2015: Green Room de Jeremy Saulnier
Opinión


Hay que rendirse a la evidencia y confirmar que el Capitán América, Chris Evans ahora mismo es insustituible, se ha convertido con diferencia en el personaje más interesante y con más matices del MCU. Con Capitán América: Civil War (Captain America: Civil War) también se deja claro que los hermanos Anthony Russo y Joe Russo conocen a la perfección la partitura completa para que un proyecto comiquero funcione a las mil maravillas, ya que tras Capitán América: El Soldado de Invierno (Captain America: Winter Soldier), han logrado fabricar un producto que aúna mágicamente todos los elementos que un buen fan desea ver en cines cuando hablamos de aventuras protagonizadas por tipos vestidos con trajes de spandex. Capitán América: Civil War no es un 10, le sobra metraje, pero pese a ello sorprende que los 150 minutos que dura se hagan los suficientemente cómodos como para partir de un estado de calma chicha donde se va elaborando una muy buena historia hasta enfrascarte en una última hora de total desenfreno y hype desmedido, y nada que ver con ciudades voladoras que suben y bajan. ¿Es Capitán América: Civil War el mejor producto Marvel hasta la fecha?, pues se podría decir que sí, ligeramente superior a su predecesora, más entretenida e interesante que la primera parte de Los Vengadores (The Avengers) y sin dudarlo un auténtico film de supergrupo que deja por los suelos ese previo segundo intento anterior que fue la caótica Vengadores: La Era de Ultrón (The Avengers: Age of Ultron).

Capitán América: Civil War logra además el más difícil todavía. Por un lado porque estamos hablando de una continuación directa de los acontecimientos de la historia de Soldado de Invierno, y pese a poner el foco en el destino de Bucky (Sebastian Stan), tiene tiempo para introducir a nuevos iconos de la Casa de las Ideas como Black Panther (Chadwick Boseman), Spider-Man (Tom Holland) y uno más… paso de SPOILERS. Lo segundo porque se aleja del concepto de villano hiperactivo y acierta de pleno usando el mal como mente maestra para manejar los hilos como buen marionetista. Zemo (Daniel Brühl) tiene un plan y las ideas bien claras, no hace falta rodearse de ejércitos o seres imposibles que te ayuden en tu misión, llega con ser el más inteligente de todos, moverte con sigilo e ir a tiro fijo a por lo que quieres provocar. Luego sorprende lo bien que han hilado las cosas, el tiempo dedicado a cada personaje, perfectamente distribuido sin caer en el clásico problema de infrautilización. El que está es porque debe estar, imponente presencia la de Black Panther, y el que sale menos o más es simplemente porque su entidad como personaje así lo requiere, Ojo de Halcón (Jeremy Renner) o War Machine (Don Cheadle) por ejemplo. Todos tienen sus 5 minutos de gloria, pero unos cinco minutos que giran en torno a una gran historia de amistad a dos bandas, la que une a Steve Rogers con Bucky Barnes y la que hermana al Capitán América con Iron Man. Es una Guerra Civil, una batalla fraticida con todo tipo de consecuencias. Una escisión interna, una separación de espíritus afines que, no les queda otra, deberán hacer de tripas corazón cuando llegue el momento de las Guerras del Infinito.

Capitán América: Civil War flota además en un mar de muchas corrientes, la del drama personal que machaca a Tony Stark (Robert Downey Jr.), la de la curiosa relación que se establece entre Visión (Paul Bettany) y la Bruja Escarlata (Elizabeth Olsen), la de los chascarrillos que se traen entre manos Falcon (Anthony Mackie) y el propio Bucky, la de la alucinante presencia de ese nuevo Spider-Man que en manos de Tom Holland y con el enfoque dado a partir de este film define un futuro muy prometedor, o la de la integración de personajes como Ant-Man (Paul Rudd), un superhéroe aparentemente menor en un mundo de titanes. Ya lo comentaba antes, Black Panther mola y le han dado lo suficiente como para generar interés en lo que nos puede acabar contando, y que hasta servirá para seguir ligando este universo. Para rematar, como no, el Capitán América, siempre fue un personaje que podría pensarse que no se va a comer un colín en este mundo, pero la compañía le ha dado las historias más entretenidas plagadas de villanos megalómanos como Cráneo Rojo, Hydra y ahora Zemo. A mi este tipo de enemigos siempre me han molado, planes con aroma clásico, alejados de la floritura y más cercanos a un buen juego de estrategia.

En fin, Capitán América: Civil War funciona a la perfección, puro entretenimiento y confirmación de que la línea de Steve Rogers es la más entretenida de todas las abiertas hasta el momento por Marvel Studios. Todos al cine a verla que merece mucho la pena y tiene en un aeropuerto una de las mejores escenas de acción de la historia de este tipo de cine.

Póster IMAX de Capitán América: Civil War
Póster IMAX de Capitán América: Civil War

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Hace dos fines de semana llegó a los cines patrios y de forma limitadísima La invitación (The Invitation), un maravilloso thriller salido de las hábiles aunque inesperadas manos de Karyn Kusama. Triunfadora en el pasado Festival de Sitges, la película reúne nuevamente a Kusama con sus colaboradores Matt Manfredi y Phil Hay, con los que trabajó como directora ella y guionistas ellos en ese gran fiasco comiquero que fue Æon Flux. Pero claro, La invitación es a Æon Flux lo que el día a la noche o lo que el vino Don Simón a un Chateau Lafite 1787. Kusama y su equipo nos encierran en un terrorífico juego demencial protagonizado por un grupo de amigos que se reúnen a cenar varios años después de lo que provocó la separación de dos de ellos… la muerte del hijo que tenían en común. ¿Qué lleva a los anfitriones Eden (Tammy Blanchard) y David (Michiel Huisman) a llamar a la puerta de su pasado y reabrir heridas mal cerradas? Esa es la gran intriga, el juego que se traen con sus invitados y del que poco a poco va generándose una gran sospecha siempre bajo la mirada del descreído Will (Logan Marshall-Green), el ex-padre. Este trío calavera, Kusama y compañía, se enfundan en piel hitckcockiana haciendo que La invitación juegue muy pero que muy bien todas sus cartas, de vueltas cual peonza provocando que nada sea lo que parece y, aunque las cosas pinten claras desde un principio (aquí el trabajo de Manfredi y Hay no pretende engañar a nadie), nunca sabrás el momento en el que se destapará la caja de las esencias. Personajes tan desconcertantes como inesperados, el de Pruitt (un siempre agradecido John Carroll Lynch) y Sadie (Lindsay Burdge), hacen que la película te atrape, te tensione y te desespere. En todo momento sabes lo que va a pasar, de hecho a los pocos minutos de comenzar te dejan claro el destino de los comensales, pero tampoco encontraréis la forma de colaros en la fiesta para advertir a los asistentes porque no tienes lo que hay que tener… La invitación.

Fabuloso cartel de La invitación
Fabuloso cartel de La invitación

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Bueno, creo que es necesario pasarse ya por el blog para hablar del estreno de la semana, sin lugar a dudas del mes, y para mí, ya tengo el escudo puesto, del año. Batman v Superman: El Amanecer de la Justicia (Batman v Superman: Dawn of Justice) se ha estrenado y no exenta de polémica presento mi carné de persona a la que le ha gustado… y mucho.

La apuesta del universo DC está siendo la de un mundo complicado, un mundo donde el superhéroe es puesto en duda por sus actos. Si ya en El Hombre de Acero (Man of Steel) la cosa terminaba con un dron tratando de controlar al hijo de Jor-El, en esta Batman v Superman el tema viene a afectar no sólo al bendito Clark Kent (Henry Cavill), si no a ese justiciero que se toma, nunca mejor dicho, la justicia por su mano y que no duda en marcar a fuego a aquellos que castiga… como hacían otros viles seres en tiempos pretéritos. Sí, Batman (Ben Affleck) lleva 20 años impartiendo su ley, correcta aunque discutida, y tras la entrada de Superman en su mundo la polémica se cierne ahora sobre este, un ser poderoso, en el que se confía pero que podría cambiar de parecer y, sencillamente, arrasar con el planeta en un abrir y cerrar de ojos. Como muestra de este debate la secuencia inicial que explora otro punto de vista de la destrucción de Metrópolis perpetrada por el General Zod y sus tropas, amén de Superman. Una secuencia violenta, desesperada, vívida y más realista si de lo que hablamos es de edificios cayendo con ciudadanos muriendo en la debacle. Ahí es donde Bruce Wayne se plantea que Superman no es tan conveniente como uno puede pensar. Este punto de vista, oscuro, frío, desasosegador, será del gusto o no del público que promete abarrotar las salas de cine con cada estreno que tengamos, pero es el camino que el estudio propietario de DC, la Warner Bros., ha seleccionado para profundizar en la fórmula que con éxito ha fraguado la otra gran compañía del universo cómic. Arranca poniendo el listón a una altura muy alta y no apta para todos los públicos.

Tras este arranque la cosa se centra de forma esquiva en una singular batalla iniciada en la sombra por el debutante Lex Luthor (hiperactivo Jesse Eisenberg), magnate (des)aprovechado que ve en las dudas de la sociedad, encabezadas por el rico Wayne, la pieza que le faltaba para llevar adelante su gran plan, acabar de un plumazo con esos dos que en estos momentos pueden acabar de tocarle las narices, Superman y Batman, y dar su siguiente paso… ¿Cuál? Dentro de la cabeza de Luthor, o del guión de Chris Terrio y David S. Goyer, quizás esta sea la idea más interesante del film, todo el entresijo de acciones que toma el personaje de Eisenberg tienen un sentido, ¿controlado por?, y más si percibimos que Luthor sabe desde el principio quiénes son en realidad Bruce Wayne y Clark Kent. Sabe de sobra que de forma individual no puede hacer nada contra estos dos titanes, pero como buen Maquiavelo, tiene las armas que le hacen falta para salirse con la suya… llega con formalizar una pelea de gladiadores como él mismo la define, una guerra Batman v Superman.

El resto es historia para ver en cines. La entrada de Diana Prince (Gal Gadot) en escena, personaje formato misterio hasta que se desmelena pero que queda claro que forma parte de algo mucho más grande de lo que podemos esperar, y que se labra con múltiples referencias a lo largo de toda la película. Que sí, que son piezas no al alcance de todos, yo entre ellos, pero que van haciendo masa para construir su propia fase uno del DCCU. Luego tenemos los rápidos vistazos a esos otros miembros del universo que pueblan Superman y Batman que no se ensanchará este agosto, pero que sí lo hará y sin control el año que viene. De regalo varias historias e una, entrada del chisporroteante Doomsday incluida. El film bebe de El regreso del Señor de la Noche, pero bebe de otros relatos de los que mejor es no hablar porque hay que descubrirlos sentados en la butaca. Hay sueños oníricos, visiones, catástrofe, futuro en esencia y un saludo como una casa a ese ser que desde el exterior vendrá a hacer la puñeta.

Por lo tanto, abiertamente discrepo de esa tendencia que está vertiendo todo tipo de descalificativos contra el film de Zack Snyder. Sí, esta versión del film adolece de descontrol en su montaje, sobre todo cuando intenta enlazar todos esos hitos que hilan el plan de Luthor, pero no por ello es un mal film ni nada que se le parezca. Si es curioso el anuncio de esa versión extendida antes del estreno, y da qué pensar que a Warner Bros. se le ha ido la mano con los cortes en la mesa de montaje, pero no por ello es todo tan atropellado como nos hacen pensar. Además, Ben Affleck nos presenta un Batman atormentado, un Bruce Wayne violento, callejero, vengativo y defensor de su propio concepto de justicia. Henry Cavill con su Superman ha madurado. El principiante de El Hombre de Acero está cansado por su necesaria omnipresencia. Es ídolo del pueblo pero ve que no se hace nada para evitar su necesaria intervención… está cansado, se siembran dudas sobre sus acciones desde las altas esferas. Está en entredicho. Luego las otras piezas de la fórmula, Lois Lane (Amy Adams) como guía en la trama de Luthor, Alfred (Jeremy Irons) como Pepito Grillo de Bruce Wayne y otros. En definitiva, me ha molado. No es la octava maravilla del mundo pero tampoco es un gran fiasco como tratan de vendernos. Es una buena película, pieza aprovechada para iniciar algo que hace unos años ni se concebía, disfrutésmola porque bien merece la pena hacerlo.

Uno de los pocos carteles de Batman v Superman: El Amanecer de la Justicia
Uno de los pocos carteles de Batman v Superman: El Amanecer de la Justicia

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La verdad, no tengo muy claro como enfocar esta opinión porque pese a que la sensación inicial es de que he visto una película normal, de hecho no es que me sienta embelesado, debo reconocer que me está dejado un regusto fabuloso de auténtico WTF conforme más poso hace y más pienso sobre ella. Calle Cloverfield 10 (10 Cloverfield Lane) de Dan Trachtenberg es rara. Creo que esta es la única acepción que se me ocurre ahora mismo para definir este Mistery Box de la factoría J.J. Abrams donde un titán como John Goodman se planta frente a dos jóvenes, Mary Elizabeth Winstead y John Gallagher Jr., en una situación simplemente grotesca. Calle Cloverfield 10 podría decirse que es la segunda historia de un nuevo paquete de films que se podrían denominar como los "Cuentos para no dormir" de la Bad Robot. Esto no estaba para nada meditado, han pasado ocho largos años, pero tras Monstruoso (Cloverfield), esta nueva referencia al término deja claro que el filón ha sido encontrado. Lo mismo que Blumhouse con sus terrores favoritos, Abrams aprovecha el talento de gente de directores nuevos como Matt Reeves o este Trachtenberg, y guionistas noveles como Drew Goddard (en su momento), Josh Campbell y Matthew Stuecken (apoyados eso sí los dos últimos en el talento de mister Damien Chazelle).

¿Qué es Cloverfield? Desde ya una marca, una nueva franquicia de películas totalmente independientes y sin relación alguna. Lo bueno, que no dejarán de sorprendernos, lo malo, que puedan convertirse en algo demasiado evidente aunque mucho se cuidará J.J. Abrams de que esto no ocurra. ¿Qué es Calle Cloverfield 10? Pues nada más que una dirección postal en algún pueblo de sabe dios donde. El film de Trachtenberg es un producto multigénero donde se combinan ideas tan variopintas como los misterios de Alfred Hitchcock, las truculencias de los serial killers, las literatura de H.G. Wells, la capacidad creativa del mismísimo MacGyver, el ansia de supervivencia de John McClane en Die Hard o de cualquier otro en todo buen survival horror. Esto es Calle Cloverfield 10, la historia de un accidente y el rescate de Michelle (Winstead) por parte de Howard (Goodman), un convencido del Apocalipsis que ha construido un búnker antinuclear y que está convencido de que los coreanos, los rusos y los extraterrestres acabarán por dar por saco a los EE.UU. Vamos, este ha visto muchas más veces de lo recomendable Invasión USA (Invasion U.S.A.), Independence Day, Objetivo: La Casa Blanca (Olympus Has Fallen) o Amanecer rojo (Red Dawn). Pero claro, Howard también oculta obsesiones, secretos y el misterio está servido. Un cúmulo de casualidades y de rarezas supinas harán que viajemos entre diversos géneros dentro de un mismo espacio reducido, asfixiante y agobiante. En medio del fregado un tercero en discordia que aporta ese punto de credulidad y que está encarnado por Gallagher Jr. Es una película extrañamente adictiva que al igual que Monstruoso no admite continuación, no tendría ni pizca de sentido.

A esto se reduce Calle Cloverfield 10, una historia contada en poco más de 80 metros cuadrados donde lo metódico es sinónimo de supervivencia y donde cuanto menos te los esperes nada será lo que parece, lo que servirá para ir acrecentando el agobio. Buen ritmo, mejor música del Bear McCreary y apoyo notable en los golpes sonoros que harán brincar en la butaca… yo salté con los sustos dos o tres veces.

Este magnífico cartel de Calle Cloverfield 10
Este magnífico cartel de Calle Cloverfield 10

 

Y una vez más nos queda claro que el cine comiquero todavía tiene margen para sorprendernos gratamente. Del buen rollo de Marvel Studios, saltando al oscuro realismo de la ola DC, pasando por la renovación retro de los mutantes X-Men y hasta llegar al macarra, sobrado, maleducado y sarcástico Deadpool, creo que sólo nos falta algo de terror de verdad, del porno no nos queda nada que ver, y estaremos cubiertos en el "western" del siglo XXI.

Pues si, este fin de semana se ha estrenado Deadpool de Tim Miller, una sorprendente joya que ha pillado con el pie cambiado a todo el mundo (¡que nadie se atreva a negarlo!). Por que vale, todos hablábamos de la molancia de las imágenes, de lo prometedor que era el producto viendo los trailers, de que al fin Ryan Reynolds iba a poder ser respetuoso con el personaje que siempre defendió, o de que nos hacía falta superar la barrera del control parental para tener ante los ojos lo que muchas veces vemos en las viñetas. Todo muy esperanzador, pero nadie en su sano juicio se esperaba esto: frescura, ritmo, risas por doquier, sinceridad comiquera y una factura chachi (por no decir que cojonuda). Además, ¿Deadpool, un personaje conocido pero no de masas, arrasando en taquilla? A ver, que sí, que 20th Century Fox no está dirigida por idiotas y si hacen algo lo que esperan es que funcione medianamente bien y gane la suficiente pasta como para sentar unas bases y hacer una secuela (modelo de cine actual cuando se trata de franquicia / blockbuster). Pero de ahí a llevar como llevan 333 millones recaudados para una película R que ha costado 58 más inversión en promoción… hay que estar muy pasado para asegurar que esto iba a ocurrir.

Pero claro, las cosas no salen por casualidad y para dejar con el culo pelado por este nuevo modelo "gamberro" al gran público, tienes que echarle huevos y permitir que Rhett Reese y Paul Wernick hagan un guión como les de la puta gana, encima dar el OK a un director totalmente inexperto como Tim Miller o apoyar a un actor con una carrera no muy afortunada como Ryan Reynolds. Porque esa es otra, ahora todos cagarán por Reynolds, pero es el mismo que pusimos a caer de un burro y sobre el que echamos pestes tras ver X-Men Orígenes: Lobezno (X-Men Origins: Wolverine), Linterna Verde (Green Lantern), R.I.P.D. Departamento de Policía Mortal (R.I.P.D.) o Blade: Trinity (aunque era lo mejor). Vale, que es el mismo de Van Wilder, Buried y The Voices, pero tiene mucha más mierda / mediocridad en su filmografía de la que lo mejor es no hablar.

Y en esas estamos, un film sincero con su fuente, repleto de referencias y chistes brutos a la par que zafios. Un personaje pasado de vueltas, con una novia Vanessa encarnada por Morena Baccarin que quita el hipo, aunque es tan mal hablada como su media naranja y que no escatima en experimentar con diversos formatos en eso que es el sexo y la jodienda padre. Los villanos en buena línea con una Ajax (Ed Skrein) que también se las trae o una Angel Dust (Gina Carano) que se aplica como se espera frente a un ser 100% digital como es el nuevo Coloso (la voz de Stefan Kapicic). Paseo de Negasonic Teenage Warhead (Brianna Hildebrand), del taxista simpático Dopinder (Karan Soni) y algún otro. Fabulosa por otra parte la química IKEA que se tienen entre la ciega Al (Leslie Uggams) y el propio Wade.

Y con todo esto sólo queda dar el verdadero salto, ese en el que Wade Wilson AKA Deadpool atraviesa la cuarta pared y comparte sus pensamientos e intimidades con todos nosotros. Sencillamente magnífico, el trabajo de Reese y Wernick es fabuloso y digno de permanecer en los anales, no me entendáis mal, del cine como ya lo hacen otros iconos como John Hughes y su Todo en un día (Ferris Bueller’s Day Off), grandísimo homenaje. Por lo tanto, Deadpool es un giro total al género comiquero, donde nos podemos reír del spandex, donde hay espacio para las pajas, la sodomía o el cunnilingus. Deadpool hace chistes escatológicos, es abiertamente violento y macarra, es cine R, no apto para menores así que ojo con quién pienses verla. Pero también es cultura popular, es Voltron, es me parto el culo y tiro piedras sobre mi mismo tejado (acierto de Fox), es divertimento puro que sirve para conocer a la creación de Rob Liefeld y el escritor Fabian Nicieza, y para hacer guiños constantes a esos otros mutantes con los que ¿comparte? universo. Bravo Tim Miller, magnífico bravo para Ryan Reynoldsy, sobre todo, MIL GRACIAS a Rhett Reese y Paul Wernick!

Deadpool con un jersey a lo Darcy de cuello vuelto
Deadpool con un jersey a lo Darcy de cuello vuelto

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Y en estas me fui al cine a ver Los Odiosos Ocho (The Hateful Eight) de Quentin Tarantino, un nuevo episodio, el octavo, de la carrera cinematográfica de un estilo hiperdefinido, propio de un hombre de referencias único en su espectro, incomparable, extremo hasta el paroxismo, esponja del pasado, y hacedor de un cine no del agrado de todos los estómagos o "sentires". Los Odiosos Ocho es un nuevo ejemplo de lo que es el medio expresivo de la cinematografía para Quentin Tarantino, un hermoso cuento de navidad en forma de western teñido de rojo intenso y plagado de personajes descritos al detalle, diferentes por completo, pero que como piezas de un rompecabezas encajan en una historia que ya resulta entrañable.

Los Odiosos Ocho es teatro hecho de celuloide de 70mm, no en vano el director de Tennessee se plantea transformarla en libreto para que sea representado, una obra de suspense al más puro estilo Agatha Christie en donde sabemos que las cosas no van bien desde un principio pero en la cual su creador va haciendo crecer el misterio y las sospechas en torno a todos los protagonistas… hasta el prometido y siempre esperado desenlace final. Tarantino nos lo oculta todo y si bien sabemos cosas a cada minuto no lo sabemos todo hasta ese instante en donde el conjunto explota. ¿Quién es quién es esta rocambolesca película de encierro?

Por otro lado la obra está repleta de sensaciones que recuerdan a La Cosa (The Thing) del maestro John Carpenter. La obra de Carpenter, adorador del western de John Ford pero obligado a adaptarse a los medios con películas del oeste encubiertas como Asalto en la comisaría del distrito 13 (Assault on Precinct 13), nos llevaba a un páramo helado y allí enfrentaba a una serie de hombres a los elementos y a un terror desconocido. Los Odiosos Ocho explora la misma fórmula, atrapa a 8 dispares personajes, o nueve si damos entrada a O.B. (Jason Parks), en una posada bloqueada por una ventisca invernal / infernal en medio de la nada. El espectador sabe desde el principio que las cosas no van bien y pronto los propios personajes, encabezados por ese ser supremo que es el Mayor Marquis Warren (Samuel L. Jackson), comenzarán a plantar sospechas sobre los que allí cohabitan. No sólo eso, Los Odiosos Ocho usa piezas musicales míticas de la obra de Carpenter, compuestas por el propio Ennio Morricone, amén de referenciar al film de Carpenter descaradamente con, por poner un ejemplo, la apariencia de O.B., una fotocopia de R.J. McReady compartiendo con este barba, gafas, sombrero y función… piloto (R.J. de helicópteros vs. O.B. de diligencias).

Y como producto Tarantino el film es suyo. A nivel interpretativo si bien se vuelve a apoyar en esos tres o cuatro actores que asocias a su cine y cuyas vidas son propiedad del director, en esta ocasión Tim Roth como Oswaldo Mobray, Michael Madsen como Joe Gage y el ya mencionado Samuel L. Jackson como el Mayor Marquis Warren, esta vez pone al frente a gente como Kurt Russell, que vive una nueva era dorada merced a films como este o Bone Tomahawk y que es icono cinematográfico de los 80’s gracias al también al referenciado Carpenter, la desparecida y olvidad Jennifer Jason Leigh como Daisy Domergue, papel que le ha valido una nominación al Oscar, o Demián Bichir como Bob, actor mexicano que va y viene pero que no termina por hacerse con un hueco en el mundo hispano de Hollywood. De regalo Bruce Dern como el General Sandy Smithers, segunda vez con Tarantino y obligado a aguantar una de las humillaciones más brutas escritas para cine, y Walton Goggins como el Sheriff Chris Mannix, personaje indispensable y de nivelazo que junto a Jackson disfruta de grandiosos diálogos y momentos.

El resto es fórmula Tarantino. Esa narrativa basada en episodios continuados con alguna vista atrás, ese montaje con cortes abruptos, licencias por todas partes como ese momento voz en off donde es el propio director el que actúa como narrador de los acontecimientos, ese Grand Guignol de salvajismo desmedido y de descontrol humano. Destacar una fotografía fantasmagórica para los exteriores brillantes / oscuros y nevados, nuevo guiño a La Cosa de Carpenter y el trabajo de Dean Cundey, aquí perpetrado por su habitual Robert Richardson. Y qué decir de la banda sonora, al fin Tarantino logra uno de sus grandes objetivos vitales, que Ennio Morricone le componga una suite a medida. Las piezas del maestro italiano supuran misterio y recuerdan mucho a viejas piezas como las que escuchamos Los intocables de Eliot Ness (The Untouchables).

En fin, cine no para todos los gustos, desmedida y descontrolada, pero una delicia para ver en pantalla grande unas cuantas veces. Tarantino es único y mucho le echaremos de menos cuando deje de hacer cine. Los Odiosos Ocho es su segundo western, pero también es terror, comedia y suspense de altos vuelos.

Fabuloso póster de Los Odiosos Ocho de Quentin Tarantino
Fabuloso póster de Los Odiosos Ocho de Quentin Tarantino

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Como todos los años desde hace unos cuantos echo un vistazo atrás para fijarme en esas películas con las que he disfrutado y que os recomendaría ver si no habéis tenido oportunidad. Hasta ahora iba haciendo tantas como últimas cifras tenía el año, pero este 2015 se me queda corto y la cosa no da para tanto… o he visto menos cine, o no he tenido acceso a las que debería, pero 15 no las puedo rescatar, y eso que dos de ellas pertenecen incluso al 2014 pero fueron estrenadas a principios de este año. Arranco!

Mad Max: Furia en la Carretera (Mad Max: Fury Road) de George Miller

Mad Max: Furia en la Carretera (Mad Max: Fury Road) de George Miller. ¿La película del año? Sí, desde luego. Poco más que contar que no se haya comentado ya. Obra maestra del cine de acción, película de culto desde el día de su estreno en cines. Hipnótica, trepidante, insaciable. Miller ha reinventado a Mad Max ofreciendo algo impensable en estos tiempos. Cine auténtico, dos horas de frenesí non stop que nos dejaron sin aliento. Hasta Quentin Tarantino se rinde

Star Wars: El Despertar de la Fuerza (Star Wars: The Force Awakens) de J. J. Abrams

Star Wars: El Despertar de la Fuerza (Star Wars: The Force Awakens) de J. J. Abrams. Bastante discutida pero para muchos, en mi caso, el regreso esperado. Film homenaje, nuevos personajes que te atrapan acompañados por esas viejas glorias que nunca hemos querido olvidar. Cine espectáculo con todas las letras. Tenemos Star Wars para rato, el 2016 sin ir más lejos nos iremos al pasado para ver qué pasó antes de La Guerra de las Galaxias.

Marte (The Martian) de Ridley Scott

Marte (The Martian) de Ridley Scott. La obra de Andy Weir es vital, es optimista, es de esas que te animan. Scott se saca de la manga una de las mejores del año con un Matt Damon que se erige como brutal protagonista de esta obra por la supervivencia y el reto personal. Encantadora, muy bien realizada y necesaria. De vez en cuando hace falta algo como esto para animarte a seguir adelante porque ningún reto es imposible.

Ex Machina de Alex Garland

Ex Machina de Alex Garland. El guionista fetiche de Danny Boyle debuta en el cine como director, haciéndose cargo también del escrito, con una pieza magistral de ciencia ficción. Un reparto reducido, Domhnall Gleeson, Alicia Vikander y Oscar Isaac, dan forma a una historia con muchas lecturas, de doble juego, donde perviven la inocencia y la más vil de las perversidades. Con poco Garland logra una grande.

Green Room de Jeremy Saulnier

Green Room de Jeremy Saulnier. Una de las vistas en el pasado Festival de Sitges y una película de brutal impacto. El viaje al infierno neonazi de un grupo de música independiente que se ven atrapados en un local y del que pocas esperanzas de salir vivos tiene. Cruda, dura, extrema, violenta, salvaje. Anton Yelchin, Imogen Potts o Mark Webber haciendo frente a líder nazi definitivo… Patrick Stewart.

Bone Tomahawk de S. Craig Zahler

Bone Tomahawk de S. Craig Zahler. Otra que quiero rescatar de Sitges es este western pausado, paciente, largo y, sorpresa, caníbal. El señor Zahler se rueda de un reparto potente con Kurt Russell, Patrick Wilson, Matthew Fox o Richard Jenkins y ofrece un survival horror, como Green Room, pero en el lejano oeste. La película no aparenta lo que luego es, una rareza, una pieza única que decide innovar hacia un subgénero atípico en su padre mayor.

Kingsman: Servicio Secreto (Kingsman: The Secret Service) de Matthew Vaughn

Kingsman: Servicio Secreto (Kingsman: The Secret Service) de Matthew Vaughn. El maestro británico vuelve a ofrecernos una de las más divertidas adaptaciones comiqueras de la inclasificable Mark Millar. Protagonizada por el elegante Colin Firth, y acompañador por gente como Mark Strong, Samuel L. Jackson o Michael Caine, sirve de debut global para un prometedor Taron Egerton y la cada vez más presente Sofia Boutella. Cine de acción a raudales, violenta, simpática y frenética. Contiene una de las escenas del año, el POV dentro de la iglesia.

Nightcrawler de Dan Gilroy

Nightcrawler de Dan Gilroy. Estrenada en USA el año pasado nos visitó en febrero de cara a tenerla fresquita para la carrera a los Oscar. Salvaje, tremenda y con una Jake Gyllenhaal de otra dimensión. La Network del siglo XXI donde queda muy claro que todo vale para hacer que la basura que ruedas cámara en mano sea la primicia del día siguiente. Enfermiza gracias a ese Louis Bloom sin sangre en las venas.

Whiplash de Damie Chazelle

Whiplash de Damie Chazelle. La otra del año pasado que pudimos ver este. Impresionante film el de Chazelle, intenso a más no poder, hiperactivo y con un duelo al son de la batería protagonizado por Milles Teller y J.K. Simmons. Un combate de egos subidos de tono que a ritmo de jazz te deja tan pegado a butaca que no hay forma de levantar el culo hasta su mítica escena final.

Sicario de Denis Villeneuve

Sicario de Denis Villeneuve. El director canadiense responsable de las crueles Polytechnique, Incendies, Prisioneros (Prisoners), y de la adaptación surrealista de "El hombre duplicado" (Enemy), nos introduce de forma brillante y anárquica en el brutal mundo del narcotráfico mexicano a ambos lados de la frontera. Tan realista como dolorosa merece estar en el top sin discusión.

Otras que podrían entrar en esta lista pues son las llegadas a Sitges 2015 Cop Car, Slow West, la pieza maestra del cine de acción Misión Imposible: Nación fantasma (Mission: Impossible – Rogue Nation), la comiquera Marvel Ant-Man u otra del año pasado pero estrenada este, Descifrando Enigma (The Imitation Game).

 

Como muchos de vosotros esperaba la llegada del 18 de diciembre como agua de mayo. Esta pasada madrugada acudí a la velocidad del rayo a ver Star Wars: El Despertar de la Fuerza (Star Wars: The Force Awakens, 2015), unas cuantas horas después sigo encontrando cosas buenas de este primer visionado del renacimiento de la saga por excelencia.

¿Existe la fórmula del éxito? Pues la verdad es que J.J. Abrams y su tropa la tiene. Muy hábilmente este grupo de sabios han sabido evaluar que no existe la necesidad de reinventar la rueda cuando lo que tienes entre manos es significativamente un pelotazo. Por ello Star Wars: El Despertar de la Fuerza no deja de ser una nueva aventura en la que se combinan con maestría todos los elementos que en 1977 dieron como resultado un icono cinematográfico. ¿Hay sorpresas? Pues claro, pero en el fondo se analizan y muestran los mismos valores que otrora dieron como resultado un producto eterno y por el que no pasan los años. Por lo tanto, primero selecciona un guionista de éxito, Michael Arndt en la primera escritura del guión, súmale la cabeza de Abrams, ahora mismo un genio de la producción hollywoodiense, y remátalo con Lawrence Kasdan, el que sabe cómo debe ser contado lo que ha de contarse por ser el guionista de El imperio contraataca y El retorno del Jedi. El resultado es un film genuino, un historia que te atrapa, que te invita a viajar nuevamente por la galaxia y pura marca Lucasfilm, ya que recuerda en todo sus aspectos a las obras previas de George Lucas (1977), Irvin Keshner y Richard Marquand.

El segundo factor crucial para lograr el éxito es contar con personajes carismáticos. Star Wars: El Despertar de la Fuerza es ante todo un homenaje al pasado, una obra repleta de referencias, pero al tiempo una redefinición del futuro y una invitación a descubrir que las posibilidades son infinitas y que no debemos agarrarnos al ascua de tiempos pretéritos. Abrams ya lo hizo con Star Trek, reinventando, pero esta vez va más allá y puebla el universo Star Wars con nuevos rostros, magníficas personalidades e innumerables posibilidades. Daisy Ridley como Rey es sin lugar a dudas el bombazo, un personaje del que te enamoras, que te gusta, que te sorprende con cada nuevo paso que da hacia adelante descubriendo los misterios que la rodean. Crece al mismo ritmo que Finn, para mi un perfecto John Boyega, otro personaje que madura con la narración y que, directamente, se va formando debido a una catarsis personal que le lleva, desde el principio, a replantearse lo que ocurre. Finn es además una fusión de valentía desmedida e inconsciencia infantil, esto hace que te caiga mejor ya que es protagonista de momentos simpáticos que otorgan frescura narrativa a una historia que en el fondo conocemos. Tenemos luego a Kylo Ren, villano fotocopia que quiere ser eso, una fotocopia (pero en el buen sentido) del caos Darth Vader. Además, al peculiar Adam Driver (mola), le toca lidiar con un instante en la vida de todo villano que, la verdad sea dicha, Lucas no supo contar en su trilogía CGI. Kylo Ren no es perfecto, no es un Vader de la vida y, por lo tanto tiene todavía que romper muchos platos. Star Wars: El Despertar de la Fuerza nos lo muestra así, Kylo Ren puede fallar, le pierde la ira y se lanza a la piscina de forma un pelín inconsciente. Para rematar con los personajes humanos icono está Poe Dameron. A Oscar Isaac le ha tocado lidiar con un personaje que, seguro, ganará protagonismo en el futuro. Aquí tenemos a ese piloto rebelde que seguramente en 1977 habría quedado eclipsado por la irrupción de Luke Skywalker, pero que aquí tiene derecho a destacar. Por lo tanto, J.J Abrams pone sobre la mesa unos rasgos que hemos papado durante muchas décadas y decide repartirlos entre los nuevos personajes, creando por lo tanto un elenco de personalidades que recuerdan en todo momento a aquellas que nos atraparon hace ahora casi 40 años. Y me quedo sin hablar del General Hux (Domhnall Gleeson), una suerte de renovado Grand Moff Tarkin, Maz Kanata (Lupita Nyong’o) o la Capitana Phasma (Gwendoline Christie). Ah, y un recuerdo especial para BB-8, el factor Disney del film pero al que irremediablemente tienes que desear ver en pantalla una y otra vez.

El tercer factor es lo que te atrapa visualmente. Aquí la cosa está fácil. Sabes lo que triunfó en el pasado, conoces lo que llevó al fracaso en la era contemporánea, y por lo tanto evalúas y ejecutas lo que debe ser el futuro. Star Wars: El Despertar de la Fuerza es un espectáculo visual, algo con lo que Abrams no tiene problema. Además, se juega sobre seguro… Halcón Milenario dejando claro por qué es una nave tan molona, batalla entre X-Wing y Tie-Figthers como deben hacerse en 2015, y duelos con sables láser a la velocidad que todos podemos comprender y asimilar. Sumemos la acción física, cientos de Stormtroppers que caen muertos o salen volando cuando les disparan con un blaster, explosiones, criaturas reales y tienes el combinado deseado por todo el mundo que aborrece la sobrecarga CGI que tan mal envejecer ha otorgado a películas de hace poco más de una década.

Star Wars: El Despertar de la Fuerza vuelve a sus raíces, a la fórmula del éxito renovando eso si el drama familiar que vivimos en los setenta y ochenta. No oculta su pasado, lo recupera en dosis acertadas y abre las puertas a un futuro que se seguirá formando para acabar cerrándose nuevamente dentro de unos cuatro años. Puede que no llegue a sorprender, de hecho todo lo que vemos lo conocemos y nos recuerda, pero aun así se disfruta de pe a pa y da ganas de devorarla nuevamente para disfrutar e ilusionarse por lo que ha de venir. Ojo, en mi caso la banda sonora de John Williams se me queda un poco descafeinada, no llego a sentirla del todo y puede que una colaboración con otro compositor, sí, hablo de Michael Giacchino, hubiera aportado a los ritmos del maestro un toque de renovación extra. Ah, y la VO es fabulosa…

Ese molón cartel de Star Wars: El Despertar de la Fuerza
Ese molón cartel de Star Wars: El Despertar de la Fuerza

Publicado por Uruloki en
 

Ya se nos anunció con el final de Skyfall, y es que los cambios en la vida del James Bond encarnado por la bestia parda Daniel Craig iban a ser la marca que definirían el nuevo proyecto del rubio y rudo actor. De la carnal realidad de Casino Royale o la mencionada Skyfall, ambas vitales, pasando por la transitoria Quantum of Solace, esta nueva Spectre auguraba dos posibles rumbos, el retorno a ese clasicismo que con los años se ha quedado demasiado obsoleto, o una continuación del plan personal maestro establecido por Sam Mendes, Neal Purvis, Robert Wade y John Logan. El resultado es una mixtura que se queda a medio camino en ambos casos, magistral en algunos puntos y ridícula, no se puede decir otra cosa, en otros. Spectre arranca como debe arrancar, con un derroche visual digno de sus anteriores proyectos, ahondando en el misterio que todos hemos deseado ver nuevamente en pantalla… la existencia de SPECTRA, esa gran organización criminal de tentáculos interminables y Némesis histórica de James Bond.

La secuencia en México D.F. es una delicia, frenética, destructiva y altamente rumbosa, amén de perfecta, que viene a dejarnos claro que Bond sigue teniendo problemas que prefiere resolver en solitario, es por lo tanto personal. Skyfall ha marcado un antes y un después, y James Bond prefiere moverse por libre, en modo sicario, tratando de buscar solución a los entuertos que se le plantearon tras el fallecimiento de la veterana M (Judi Dench). Se establece por lo tanto un vínculo íntimo como ocurriera en el primer y tercer film de la franquicia con Craig como protagonista. Todo va sobre ruedas, notable presentación del personaje de Lucia (madre del amor hermoso con Monica Belluci), misteriosa dama que levanta el interés tan rápido como la historia prescinde de ella. ¿Qué ha pasado? Muy bien no se entiende pero vamos, que de ahí te metan de lleno en un cónclave de SPECTRA es muy molón, y que el juego de sombras y luces remate como remata pues, la verdad, te deja con el culo torcido ante tanta buena pinta. Conocemos por lo tanto a Franz Oberhauser (Christoph Waltz), al ariete Mr. Hinx (Dave Bautista) y nos volvemos a cruzar con viejos personajes de los que ya sospechamos… Mr. White (Jesper Christensen).

Y aquí es donde la película comienza a flojear. Entra en la partida Léa Seydoux, un personaje como el de Madeleine Swann se ve rematadamente forzado, ahora aporto ahora no valgo para nada, y genera dudas sobre el enfoque que se le quiere dar en el montante final, ¿qué se pretende? Se descubre por otro lado la relación entre Oberhauser y Bond, hay cosas que necesitan de más tiempo de cocción para servirlas y esta es una de ellas, que me perdonen Purvis, Wade y Logan pero es hasta de chiste el pim pam pum con este secreto a voces. El protagonismo deriva repentinamente en el nuevo M (Ralph Fiennes), acompañado por Q (Ben Whishaw), Moneypenny (Naomie Harris) y Tanner (Rory Kinnear) que se cruzan en el camino de C (Andrew Scott), jefazo al que le huele el aliento desde el minuto cero. Y así hasta el infinito. Imponente la presencia de Hinx en todas sus secuencias, recuperando la esencia de aquellos villanos de segundo plano que robaban el protagonismo a los grandes jefes finales de las obras clásicas de la saga. Y en este caso con facilidad ya que Oberhauser se hunde en lo fácil, en lo paranoico y pobre. ¿En serio este era el jefe de Silva (Javier Bardem), White o Le Chiffre (Mads Mikkelsen)? Aquí es cuando el clasicismo revive, un clasicismo barato, de tontería, de centro de operaciones digno de Charles Gray o Donald Pleasence… señores, no volvamos por favor a los 60 y 70.

Por lo tanto, Spectre está entretenida, llama la atención por lo que esconde, pero deja un sabor de boca un poco agridulce por lo que finalmente es y lo que en verdad pudo ser. ¿Qué nos queda ahora? Pues el quinto y definitivo film de Daniel Craig como James Bond. Aunque diga que está cansado el contrato existe, aunque diga que los requisitos físicos son demasiado exigentes, Spectre es un ejemplo de que no hay límites para este pedazo de actor. Y sí, nos deben una, una bien gorda para despedir con ovaciones esta encarnación del agente secreto británico más longevo de la historia.

P.D. Me llama la atención que Daniel Craig luzca siempre la corbata por encima del cinturón, un par o tres de dedos. ¿Es la nueva tendencia?

El cartel de Spectre que más me mola, quiero ese disfraz para carnaval
El cartel de Spectre que más me mola, quiero ese disfraz para carnaval

Publicado por Uruloki en
 

Personalmente era una de las que más esperada para Sitges 2015. La adaptación de la obra de J.G. Ballard en manos del lisérgico Ben Wheatley prometía y no defraudó, pero no precisamente para bien. Pese al reparto con el que ha contado, Tom Hiddleston, Jeremy Irons, Sienna Miller, James Purefoy, Sienna Guillory o Luke Evans, Wheatley la lía parda con una película decadente, de fondo similar al Snowpiercer visto el año pasado pero radicalmente diferente. High-Rise es setentera, paranoica, enfermiza, arrítmica y excesivamente rara. Roza con descaro lo desagradable a nivel personal y si con A Field in England cuajó un viaje psicotrópico de magnitud pantagruélica, con High Rise no se queda atrás y este edificio social, esta mole de marcadas diferencias, es pura incomodidad para el espectador. Rara, enferma, sexual, primaria, High Rise no es plato de buen gusto para todos los espectadores y en mi caso estoy casi como con su anterior film. Los buenos recuerdos de Turistas (Sightseers), comedia negra y macabra con mucho encanto, o Kill List vuelven a quedar ocultos tras una cosa rara que, es innegable, sorprende más si cabe por lo que acaba ofreciendo y por los mimbres con los que ha sido concebida. O mucho me equivoco o no le auguro mucho recorrido en pantalla grande. A ver si llega a cines, que lo hará, pero la gente se quedará ojiplática ante tanta degradación personal.

El curioso y molón cartel de High-Rise de Ben Wheatley
El curioso y molón cartel de High Rise de Ben Wheatley

Publicado por Uruloki en
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