Opinión


Resulta que Marvel Studios acaba de estrenar Vengadores: Endgame (Avengers: Endgame), el mayor y más brutal golpe épico-emocional dentro del cine comiquero hasta la fecha. Tras 11 años de carrera, todo arrancó en abril del 2008 con el estreno de Iron Man, hemos llegado al momento definitivo, ese en el que los héroes que nos han acompañado, entretenido y desesperado durante una larga década, afrontan el momento más crítico y crucial de su era. Ya nada volverá a ser igual tras este evento cinematográfico…

Tras el estreno de Vengadores: Infinity War (Avengers: Infinity War), los hermanos Anthony y Joe Russo anunciaron que se iban a despedir del universo comiquero que les había encumbrado, pero lo que no dijeron era que iban a hacerlo con una película referencial, un hito del entretenimiento mainstream, y recuerdo imborrable para todo fan que se precie (y que haya seguido con locura esta maratón plagada de rostros que durante muchos años sólo conocíamos como parte de una viñeta). No sólo eso, junto a su tesón ha resonado también con impacto el trabajo de guión de Christopher Markus y Stephen McFeely, llevan metidos en el ajo no desde el día cero pero casi (el escrito que sirvió de presentación del incansable Steve Rogers fue obra suya), lo que confirma que estos cuatro generadores de entretenimiento (colaboradores desde la magnífica Capitán América: El Soldado de Invierno) han estado fraguando una evolución en el género que difícilmente volverá a pasar.

Vengadores: Endgame es una catarsis de dimensión colosal, una aventura que marca un antes y un después dentro de lo que entendemos que este subgénero que protagonizan los héroes de cómic en cine, y que sin lugar a dudas planta una pregunta que nadie querría tener que responder… ¿y ahora? La película pasa por diversas fases tras el chasquillo de dedos más terrorífico jamás dado. El final de Infinity War supuso un duro golpe en las filas de los Vengadores (y en el mundo en general), por lo que Endgame sucumbe al dolor causado, alargándolo de forma extenuante ya no sólo en el tiempo, si no que en el corazón de los personajes que aparecen en pantalla. En el primer acto del film se puede sentir el mal trago que están pasando varios de los héroes que tantos buenos instantes nos han hecho pasar. Ese dolor trasciende y es palpable, Natasha lo pasa fatal, Steve lo pasa fatal y no quiere pasar página, Stark lo pasa fatal y opta por abstraerse, Barton lo pasa terriblemente mal y se cobra su particular venganza… pero lo pasan mal ellos y aquellos que comparten sus vidas (ese instante de la charla modo alcohólicos anónimos).

El segundo acto introduce un giro en la historia. La propuesta es fabulosa pero fuente de problemas y agujeros que ponen en duda la credibilidad de muchos acontecimientos del film… pero qué más da. Aquí la trascendencia emocional comienza a subir enteros y es donde la dimensión de los hechos sella el destino de varios de los héroes que hemos conocido durante la pasada década. Lo mejor es no entrar en detalles, pero ya nada volverá a ser igual en el MCU y sobre la mesa queda grabada la duda acerca el rumbo que tomará ahora Marvel Studios y sus planes cinematográficos futuros. Hay que reconocer no obstante que hay algún que otro momento sonronjante, pero a estas alturas de este pantagruélico proyecto comercial lo mejore es mirar hacia adelante y pasárselo bien (ya sea riendo o llorando… hay para todo en tres horas).

En fin, Vengadores: Endgame es sobresaliente. Cómica, dramática, emotiva, rompedora, tiene sus problemas, pero es algo con lo que el fan podrá sobrevivir. A ver si mañana le dedico una entrada plagada de  SPOILERS .

Cartel de Vengadores: Endgame
Cartel de Vengadores: Endgame

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Hace tiempo que no me siento a opinar sobre alguno de los estrenos recientes que he visto, la última fue ¡Shazam! hace ya un par de semanas, pero desde ese día… En fin, pasa por caja Cementerio de animales (Pet Sematary), nueva adaptación de la novela de Stephen King que ya en 1989 fue llevada al cine por Mary Lambert y guión del propio King, era floja.

Treinta años después, momento ideal para que una nueva generación conozca la macabra obra del maestro, el entuerto recae en manos de Kevin Kölsch y Dennis Widmyer, los responsables de satánica, transformadora y retorcida Starry Eyes, apoyados esta vez por un reparto de alto nivel conde destacan los rostros de Jason Clarke, eterno abonado a los altibajos y que tan pronto hace El amanecer del planeta de los simios (Dawn of the Planet of the Apes) como protagoniza Terminator: Génesis (Terminator Genisys), se sube al carro de la multipremiada Mudbound o se pierde entre las mil puertas de Winchester: La casa que construyeron los espíritus (Winchester), y John Lithgow… icono de la villanía y la comedia.

Pese a los mimbres, directores emergentes, obra de Stephen King y reparto notable, Cementerio de animales no pasa más que por ser una más en este mar de cine de terror que nos invade (y que se agradece). A estas alturas todos conocemos la trama, la familia Creed (padre, madre, hija e hijo), se trasladan de la agotadora Boston a la localidad de Ludlow, Maine. Han comprado una casa y un terreno descomunal, dentro del cual existe un cementerio para mascotas. En lugar da mucho de sí, y las primeras visiones comienzan a acechar a Louis (Clarke) y Rachel (Seimetz). Si bien el buen vecino Jud (Lithgow) advierte al padre de familia de que hay lugares que no deberían ser explorados, cuando la tragedia golpea comienzan a tomarse las decisiones menos acertadas… y macabras.

Y si bien a nivel adaptación la cosa no está mal, y eso que Kölsch y Widmyer se toman libertades para añadir a la historia más mal rollo, la verdad es que todo resulta ser un completo desaguisado de ideas, decisiones, líos mentales y sustos a la moda del "te voy a subir el volumen y así saltas". Esta es la realidad de mucho del terror que ahora nos visita, un género hipervitaminado, con más ofertas de las esperadas y donde aparentemente todo vale. Kölsch y Widmyer dan demasiada entidad a la historia de Rachel, optan por minar la credibilidad de Jud, siembran el relato de algunos detalles gore, los menos, y pasan por completo de ese elemento omnipresente en todos los avances vistos… los niños enmascarados.

En fin, para ver, disfrutar (igual alguno) y olvidar por completo.

Cementerio de animales, por carteles molones que no sea
Cementerio de animales, por carteles molones que no sea

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Y DC Films desembarcó entre nosotros con ese otro Capitán Marvel (el verdadero), conocidos por todos como Shazam. Con sentido ya completamente justificado la división comiquera de Warner Bros. ha viajado al mundo de la comedia naïf con esta adaptación de famoso personaje creado por Clarence Charles Beck y Bill Parker en los años 40… ¡pero como pasa el tiempo! Debe tenerse en cuenta que este ¡Shazam! bebe de unos orígenes concretos, unos propios del momento en el que fue creado el personaje, una era singular en la que se propuso la inocencia y la pureza de corazón como base para el nacimiento de un superhéroe cuyos poderes provienen de unos cánones mitológicos presentes (los representados por Salomón, Hércules, Atlas, Zeus, Aquiles y Mercurio), y que en el fondo, son los que representan a la inmensa mayoría de héroes de aquel momento, y posteriores.

Y en esas llegó David F. Sandberg, elección sorprendente la de este director de terror que logra sin embargo dejar su impronta en varios momento de la película, reuniendo en la gran pantalla a Zachary Levi, nuestro Shazam, Mark Strong, el villano Dr. Thaddeus Sivana, Jack Dylan Grazer, genial Freddy Freeman, y Asher Angel, el elegido Billy Batson. Los mimbres han sido buenos, pero no queda claro si el conjunto funciona como debería en este escrito de un guionista sin un bagaje más adecuado (seguro que Henry Gayden ahora es más conocido, pero antes de ¡Shazam! poco se podía valorar de su carrera). El tema es que el film sufre lo descompensado que está la forma de ser de Batson como Batson (Angel), frente a la de Batson como Shazam (Levi). Resulta por momentos incongruente el personaje, teniendo la versión adulta un sin fin de momentos cómicos (ya sea su descubrimiento, aprendizaje, etc.), frente a la versión fría, negativa y taciturna de su yo adolescente. Ojo, se entiende que ambos actúen como actúan, Batson tiene sus propias preocupaciones e inquietudes, pero desde luego el espíritu del Billy Batson niño debería estar más presente en su versión adulta o viceversa, que lo está pero da la sensación que no lo suficiente.

El film juega sin embargo con éxito al hacer un uso masivo de referencias, donde es capaz de reírse del universo extendido DC por completo, de hacer homenajes al icono de Filadelfia que es Rocky y alguna otra más. Por ese lado, siempre encarnado por un generoso y marchoso Zachary Levi acompañado por el verdadero motor de la historia es sus dos vertientes, hablo de Jack Dyla Grazer. Ahí está el gran poder del film, Grazer apoya a ambas versiones de Batson, el adulto descontrolado y el adolescente amigo por el que se preocupa e interesa.

En definitiva, es entretenida, Levy como Shazam es tronchante, Grazer como Freddy Freeman es lo mejor del film, y Mark Strong como Sivana… bueno, algo así como un villano que en su ansia de ser tan, pero tan malo acaba entrando en el juego del ¡Shazam! transformado en una caricatura / bufón de lo que se supone es un supervillano al uso. El resto fluye de forma irregular, funcionando la comedia más simple e infantil, pero no entrando en otros cánones del género (ya no tanto el superheroico que está cubierto, si no más bien el cómico) y que habrían logrado que las dosis de entretenimiento hubieran sido mucho más rumbosas. Merece verse y seguramente que dándole alguna vuelta más se pueda descubrir más a favor que en contra.

Uno de los carteles que hemos visto de Shazam!
Uno de los carteles que hemos visto de Shazam!

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Tras meternos de lleno en un infierno sensorial y de corte social siniestro con Déjame salir (Get Out), Jordan Peele no pierde el tiempo y pare esta vez Nosotros (Us), una extraño viaje de referencias donde tan pronto uno cree estar viendo un episodio de "La dimensión desconocida" ("The Twilight Zone") de Rod Serling, una nueva adaptación de la ya muy explorada novela pero nunca los suficiente "La invasión de los ladrones" de Jack Finey, una home invasión como nunca antes se había visto, si bien los reflejos a La invitación (The Invitation) de Karyn Kusama están ahí, o, en definitiva, un nuevo episodio en su muy interesante carrera como director de terror… sí, terror. Tiene tanto que indagar la película que lo mejor es ventilar rápido la opinión, sin desvelar nada, e invitaros a verla, para descubrir una de terror puro, por momentos slasher, por momentos paranoia, en definitiva pegadiza y muy adecuada.

El tema es que Nosotros es un poco de todo lo comentado y mucho más, doy por hecho que cada uno encontrará sus referencias, esos horrores que en algún momento le impactaron y le dejaron sin habla, casi como a la protagonista. Es gracias a este compendio de referencias y significados donde uno vuelve a quedarse asombrado por la maestría de Peele. La sinopsis de Nosotros es por todos conocida, una familia afroamericana se va de veraneo a su casa de la playa. Todo es aparentemente normal hasta que esa primera noche se ven acosados por cuatro seres idénticos a ellos, cuatro doppelgängers o, de forma más directa, una familia idéntica a ellos pero que como antagonistas de esta historia pretenden no precisamente cosas positivas hacia sus que iguales. Si es que hasta el arma elegida, esa tijera dorada tiene sirve también como guiño a la dualidad que viene a plantarnos el director en esta historia macabra.

Peele juega sin embargo no una, si no varias bazas extra. Primero poblando su historia de esos clones de rostro indescifrable donde esa brutal Lupita Nyong’o transformada en dos personas, a la altura de ese otro ser de múltiple encarnado por James McAvoy en la obra de M. Night Shyamalan. Segundo parándose a contar una historia que tiene mucho más de lo que se supone puede ocultar, ya que Nosotros tiene un fondo, un transfondo y elementos profundos ya enraizados. Uno los irá descubriendo a golpes, de la misma forma que le personaje de Nyong’o recibe esos impactos mentales en forma de flashback que quieren contarnos sus traumas pasados, otros habrá que ir esperando para comprender esta especie de viaje al mundo de las Maravillas con mucho conejo blanco y esa especie de Alicia que mira a través de un espejo francamente siniestro.

A mi es que me ha encantado. Y es que oculta tantos juegos que bien merece ser pensada, analizada al detalle y explorada por doquier.

Cartel de Nosotros
Cartel de Nosotros

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Se pone en marcha una nueva etapa en el universo cinematográfico de Marvel, una en la que tarde o temprano una serie de iconos pasarán página, o eso se supone, y otros que ya han llegado se quedarán durante unos cuantos años con todos nosotros. Conocemos ya al Doctor Strange (Benedict Cumberbatch), a Ant-Man (Paul Rudd), Black Panther (Chadwick Boseman), Spider-Man (Tom Holland), y ahora se nos presenta a Carol Danvers o, como debe ser conocida, la Capitana Marvel (Brie Larson). Por lo tanto, se ha puesto la primera piedra de la montaña Capitana Marvel (Captain Marvel), la que se supone deberá domar el rumbo del MCU de ahora en adelante, pero… ¿está preparada para esta responsabilidad?

Desde luego la Capitana Marvel es un personaje superior, de los que molan, y servirá de nexo, mejorándolo, entre el mundo Marvel del espacio, donde viven por ejemplo los Guardianes de la Galaxia, Kree, Skrull y los futuros Eternos, con el de la Tierra, ese en el que residen superhéroes más básicos pero no por ello menos interesantes. Sin embargo la apuesta de Marvel Studios llega de modo descafeinado no dejando muy claro si realmente su protagonista, la oscarizada Brie Larson, puede llevar sobre sus hombros un peso como el que Robert Downey Jr., Scarlett Johansson o Chris Evan han estado cargando a lo largo de la última década. La propuesta de Anna Boden y Ryan Fleck, directora y director elegidos a la Hermanos Russo, por lo pronto sirve de evidencia para reconocer que les falta coger el punto al personaje y sobre todo encontrar ese en el que la velocidad de crucero acabe siendo suficiente como para levantar hype a diestro y siniestro. ¿Son los directores ideales? Las inercias taquilleras dirán que sí, la duda ofende, pero lo que hay en el fondo no tanto.

Capitana Marvel sufre de un mal similar que ya hemos visto en otros proyectos de la compañía, no encuentra el balance es una historia donde destacan un par de actos notables, mejor el primero que el tercero, pero que sin embargo echa medio por la borda el conjunto merced a un acto intermedio excesivamente extenso y soporífero… vayamos al detalle. Todo arranca con la presentación de Vers, miembro del cuerpo de élite Kree que tras 6 años entrenado al abrigo de Yon-Rogg (Jude Law), acaba con una primera oportunidad para ser parte de la particular guerra contra los terroristas Skrull. Hasta ahí todo bien. Presentación de personajes, siembra de primeras dudas y mareante viaje a la tocada mente de nuestra protagonista.

Acto seguido es necesario seguir narrando esta historia de presentación (inusual y original) y viajamos de cabeza a los años 90, unos donde conoceremos en detalle a un rejuvenecido digitalmente Nick Furia (Samuel L. Jackson), acompañado por un impostado y francamente pobre Agente Coulson, la presencia de Clark Gregg aunque anecdótica es lo suficientemente falsa como para sonrojarse con el resultado de los efectos digitales… luego hablamos. En esos años 90 todo es parafernalia, desde la elección rebuscada de temas musicales donde hay una forzada presencia de grupos como Elastica, Garbage, Nirvana (no se puede dirigir más el "Come as you are") o Hole (no pegan ni con cola en el ritmo, momentos y tono fílmico), hasta la extravagante sobrecarga de guiños y referencias a esa década que deberían hacer la delicia de aquellos que vivimos el momento, pero que no será reconocida por las nueva generaciones. Ese segundo acto, que cuenta con chistes de baratillo made in la nueva Disney, no lo levanta ni la presencia de ese ser dual encarnado por Annette Bening, ni ese Ben Mendelsohn maquillado como el skrull Talos, que de paso da un giro atroz a una historia comiquera labrada con mucho esfuerzo durante años y años. Y ojo, la continuidad de la historia se fragua a golpe de momentos casi "jump the shark": lo de Keller en la morgue y lo del bar Street Fighter son un par de buenos ejemplos.

El tercer acto se puede decir que mejora, con la Larson aupándose como el ser superpoderoso, descubriendo su brutal poder, pero es donde el camino elegido para demostrarlo se antoja insuficiente para lo que el fandom espera. La presencia de Goose es graciosa, las implicaciones de sus actos no tanto, y ya está. No es para nada la peor película de Marvel, dios me libre de decirlo con Thor: El mundo oscuro (Thor: The Dark World), Vengadores: La era de Ultrón (Avengers: Age of Ultron) y, sobre todo, Black Panther, pero tampoco es la mejor… digamos que se queda en un punto medio.

Eso sí, el film contiene grandes momentos como ese genial cameo / gag matecinematográfico de Stan Lee, ovación en la sala, y ese inicio alterado de los créditos del estudio. Las escenas post-créditos, que son dos, siembran si cabe más dudas, una pone sobre la mesa el por qué no antes, la otra obliga a revisar todo el MCU para seguir el camino de cierto objeto a lo largo de la saga cinematográfica nacida en 2008…

Cartel IMAX de Capitana Marvel
Cartel IMAX de Capitana Marvel

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Hoy no se habla de otra cosa. Se han entregado los Oscars con un no claro vencedor, pero al tiempo se han entregado los ya míticos Fangoria Chainaw Awards, donde la cosa ha estado igualmente repartida, pero en donde sí han estado representadas algunos incomprensibles olvidos de la Academia de Hollywood. Hago un repaso por ambos porque bien lo merecen todos los films premiados.

Por ejemplo, Green Book de Peter Farrelly se ha llevado tres premios con forma de Mejor Película de año, Mejor Guión Original y Mejor Actor de Reparto para Mahershala Ali, que ahí donde lo vemos lleva arrasando a cada año que pasa tras su también Oscar por Moonlight y por papeles en series como "House of Cards", era Remy Danton, ese villano de la primera infumable temporada de "Luke Cage" o por protagonizar ahora la tercera de "True Detective". Pero ojo, ha sido Vector en Alita: Ángel de Combate (Alita: Battle Angel), la voz del tío Aaron en Spider-Man: un nuevo universo (Spider-Man into the Spider-Verse), o Mombasa en la siempre crucificada Predators. Pues eso, Mahershalalhashbaz Ali otra vez premio.

Mahershala Ali estuvo en Predators tratando de no morir
Mahershala Ali estuvo en Predators tratando de no morir

Ahí en el top de mejores premios también está Roma, de la que Alfonso Cuarón ha copado todo… y digo bien porque se ha llevado premios a Mejor Director, para Alfonso Cuarón, Mejor Fotografía, a Alfonso Cuarón, y a Mejor Película de habla no inglesa, donde Alfonso Cuarón comparte premio con Nicolás Celis y Gabriela Rodríguez. Y a buen ritmo saltamos a Bohemian Rhapsody otorgando premios a Rami Malek por su notable pero un pelín excesiva encarnación de Freddy Mercury, y esos otros premios a Montaje, Montaje Sonoro y Sonido… un todo vale que no se yo. Otra que también ha rascado de forma altamente sorprendente es Black Panther con sendos premios a Banda Sonora Original, Vestuario y Diseño de Producción, y eso que los efectos cantaban un huevo y medio del otro, diseño de producción de baratillo diría yo. Un pelín bochornoso.

Olivia Colam repartiendo en Hot Fuzz
Olivia Colam repartiendo en Hot Fuzz

Me alegra lo de Olivia Colman por La favorita (The Favourite) y ex-Hot Fuzz, no digo que me alegre pero al fin Spike Lee rasca gracias a Infiltrado en el KKKlan (BlacKkKlansman) tras comerse toda la vida los mocos, y me parece muy bochornoso lo de El vicio del poder (Vice) y su premio a maquillaje y peluquería, casi tanto como los efectos visuales de First Man. Joder que no había mejores alternativas este año. De lo más reconfortante, el esperado y bien merecido premio a Spider-Man: un nuevo universo.

Fangoria Chainsaw AwardsFangoria Chainsaw Awards

Pero de ahí salto a los Fangoria Chainsaw Awards y veo con ilusión como Hereditary se ha llevamos premios mejor película, mejor guión, mejor director para Ari Aster, mejor actriz para la olvidada y maravillosa Toni Collette o mejor actor de reparto para Alex Wolff. Luego observas con encanto como Mandy de Panos Cosmatos se ha llevado premios a mejor película con distribución limitada, mejor banda sonora para la fabulosa obra del ya fallecido Johann Johannsson (y que es infinitamente superior a lo de Black Panther), y mejor actor para el inclasificable Nicolas Cage.

Fangoria Chainsaw AwardsFangoria Chainsaw AwardsFangoria Chainsaw Awards

Para acabar disfrutando con los premios a mejor maquillaje para Suspiria (que se come con patatas a El vicio del poder), y mejor actriz de reparto para Tilda Swinton, que no tiene nada que desmerecer a Regina King por su papel en El blues de Beale Street (If Beale Street Could Talk).

Fangoria Chainsaw AwardsFangoria Chainsaw Awards

En fin, así están las cosas…

Ah, y a nivel Quiniela de los Oscar de Uruloki, aquí la lista de resultados. Armadillo de Elda ha visto la luz con unos maravillosos 18 aciertos dejando lejos a José Luis Calejero de Zaragoza y a Daijard de Barcelona con 16. El menda ha sacado 13, confirmando que no tengo buen ojo en esto del cine. Gracias por participar a los 115 que habéis probado suerte!

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La otra película Netflix que me he tragado en este viaje a Ginebra ha sido el nuevo trabajo juntos de Dan Gilroy (director), Jake Gyllenhaal (actor) y Rene Russo (actriz). La verdad, recuerdo con más que grato recuerdo Nightcrawler, brutal propuesta donde el mundillo de la televisión más tortuosa tomaba el protagonismo absoluto en un todo vale que rememoraba a esa otra joya que es Network, un mundo implacable (Network). Gilroy está vez pone su foco en el mundo del arte pero se pasa de vueltas al elegir el terror como vía conductora de una historia donde el papanatismo, el té piso porque estás acabado, y el para medrar tienes que ser una cucaracha, no necesitan del género para narrar su propia historia… ya de por si mete miedo lo que te puede acabar ocurriendo en ese mundo.

Velvet Buzzsaw se pierde en un mar de absurdez absoluta, resultando totalmente anodina y aburrida, infravalorando a su reparto y no llegando si quiera a indagar una pizca en el verdadero objetivo del género que pretende abordar. Quizás sea un mar de alegorías a que el arte te puede matar, al que no hay quien escape en ese mundo que te acaba devorando y destruyendo si no gustas, pero salvo que uno logre ver más allá de lo que el film ofrece, al final lo que te vienes a tragar es una patochada tediosa y falta de ritmo e imaginación. Velvet Buzzsaw no es terror, pero tampoco deja de serlo. Podría haber explotado de alguna forma ideas vertiginosas sobre un arte endemoniado cuyo autor al final hubiera sido el mismísimo diablo, pero nada, uno casi desea que Vigo, el azote de los Cárpatos, la tristeza de Moldavia, haga acto de presencia en algún momento para, al menos, respirar relajadamente al comprender que estás viendo otro caso digno de los Cazafantasmas. Pero nada, terrores psicológicos que acosan a los protagonistas y cuadros que cobran vida para enguyirte a base de virtuosas paletas de colores repletas de azul cián, ocres mortecinos y brillantes pasteles.

No sé, aquí se ha perdido una gran oportunidad, los mimbres se tenían, la base de la historia molaba, los actores y director eran perfectos, pero el resultado es un quiero y no puedo absoluto, un reflejo evidente de que algo quería contar el bueno de Gilroy y sin embargo el tema se le ha ido de las manos. O no ha sabido, que me sorprende, o lo que ha hecho es experimentar gracias a un estudio que trae a primeras figuras a base de “como todo vale haz lo que te venga en gana”. Eso no siempre funciona.

Primer y seguramente único cartel de Velvet Buzzsaw
Primer y seguramente único cartel de Velvet Buzzsaw

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No se puede negar que lo de cine Netflix suele ser una lotería. Por lo general los productos de producción propia flojean, y si bien estrenan films de alto nivel (Okja o Roma por ejemplo), lo más normal es ver sus películas con el escepticismo por bandera. Aprovechando un viaje de ida y vuelta a Ginebra por trabajo me he merendado dos de esos productos de la ya gran empresa que es Netflix. El primero del que hablaré es Polar, adaptación de la obra comiquera de Víctor Santos que ha contado con killer absoluto como Mads Mikkelsen como absoluto protagonista.

En la línea de muchas otras películas que se ven hoy en día, la saga John Wick o Atómica (Atomic Blonde) sirven ahora como ejemplo más evidente, Polar logra aportar su granito de arena al mundo del no me toques las narices que te aniquilo, y eso que el sector de los asesinos a sueldo parece estar más que sobrecargado en este nuevo siglo en Hollywood. En formato hiperviolencia desmadrada asistimos a la dura jubilación del Káiser Negro (Mikkelsen), un asesino a sueldo que como todo buen criminal ha estado ahorrando duramente todos esos años de sangrienta actividad. Ya nos lo contaron en Red, si te jubilan te jubilan, y en Polar pues ocurre lo mismo. El detalle es que la historia de Polar se va de madre desde su minuto cero, entrando en juego una caterva de engendros criminales comandados por un jefe de los que dan pena. Es ahí donde La adaptación flojea, nadie da la talla y es Mikkelsen el que debe echarse el petate a la espalda y hacer que el conjunto salga a flote. ¿Qué pasa? Pues que Mikkelsen es el volcán que derritió el iceberg que hundió al Titanic, y por lo tanto Polar emerge finamente gracias al actor danés y su enigmático carisma, y a ese descontrol absoluto donde los miembros cercenados, las cabezas reventadas y el sexo cuasi excesivo comandan un metraje que no llega a resultar excesivo.

La película es capaz también de echarse unas risas y plantar homenajes. Tan pronto puedes identificar Poli de guardería (Kindergarten Cop), cómo reírte de John Wick, y hasta disfrutar de una de las secuencias más icónicas del cine coreano moderno como aquella del pasillo de Old Boy (Olduboi). En Polar hay espacio para todo: torturas viciosas; masacres en grupo; asesinatos controlados al milímetro; sexo de circo; y drama… porque si, la película juega también con los terrores que acosan día y noche al protagonista, y a ese pasado que en el fondo nunca ha llegado a cerrarse. En fin, Polar es excesiva y esta es seguramente la característica que le hace ganarse con derecho un puesto entre los asesinos a sueldo más molones del nuevo siglo. Netflix ha encontrado una película entretenida, bastante gore y que cuenta también con un simpático cameo de Johnny Knoxville, uno más pobre de un ya caduco Richard Dreyfuss, o con esa irreconocible Vanessa Hudgens… quien la ha visto y quien la ve.

Si todo va bien habrá secuela.

Primer cartel de Polar
Primer cartel de Polar

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Uno de los proyectos más deseados por James Cameron desde hace la friolera de 14 años, de aquella hasta quería contar con Arnold Schwarzenegger como una versión mazada del doctor Daisuke Ido, y bloqueado por los retos que el visionario se echó a la espalda desde ese lejano 2005, tras Aliens of the Deep ese mismo año llegó Avatar en 2009 y luego miles de intenciones no gestadas, ha visto gracias a dios la luz merced a un tipo como Robert Rodriguez y el esperado apoyo por todo lo grande del propio gran gurú de la innovación tecnológica en Hollywood.

Por lo tanto Alita: Ángel de Combate (Alita: Battle Angel), adaptación de la famosa, magnífica y violenta obra de Yukito Kishiro, ya está aquí y el resultado es, pese a sus imperfecciones, que las tiene, bastante notable por no decir que sobresaliente… sobre todo merced a ese fabuloso derroche visual del que el film hace honor. Alita: Ángel de Combate es probablemente una de las mejores adaptaciones de anime a acción real hecha y puesta en marcha de la obra de Kishiro, historia del segundo nacimiento de Alita (Rosa Salazar), ese cyborg de ojos de lemur perteneciente a otra era que en manos de su nuevo padre el Dr. Dyson Ido (Christopher Waltz) acaba por revolucionar el futuro en el que vive… Iron City prepárate porque llega lo bueno. Por lo pronto Rodriguez y Cameron montan un tinglado de cuidado en el que destaca de forma sublime la sofisticación de unos efectos visuales virtuosamente integrados en el global de la obra (anonadado se queda uno viendo a Alita… ser 100% CGI). Ya sólo por eso el film es merecedor de todos los aplausos habidos y por haber, pero el tema va más allá. Desde luego la adaptación trata con agradecido respeto la obra de Kishiro, teniendo por lo tanto no solamente espacio para contar parte de la historia narrada en GUNNM, si no tiempo para contar con muchos de los personajes que en la obra se vieron: Hugo (Keean Johnson), ese primer amor de Alita; la versión alterada del adicto cerebral Makaku, aquí transformado en una suerte de grotesca criatura llamada Grewishka (más fiel en nombre si nos paramos en el anime, se le conoce como Grewica) y a la que pone voz Jackie Earle Haley; Zapan, otro más que respeta el nombre y que tiene a Ed Skrein a su reflejo en modo cine; el traficante Vector (Mahershala Ali); y Chiren (Jennifer Connelly), nuevamente personaje del anime que da más empaque a la propia historia de Ido.

Segundo porque han tenido que pasar 14 años para poder justificar esta laboriosa gestación de un mundo imponente, ese Salem inalcanzable, y esa Iron City post-apocalíptica, donde se amontona la pobreza más absoluta en un simulacro de las favelas brasileras donde lo cyberpunk toma la delantera. De ahí sale no sólo la Alita renacida para aprender, esa que descubre su origen para acabar transformada como es menester en una heroína embutida en un cuerpo de guerrero absoluto y diosa del Motorball, un deporte hiperviolento y salvaje donde restos humanos anclados a piezas mecánicas pelean en vertiginosas y frenéticas carreras por un sueño imaginario de una vida mejor. Tercero porque en Alita: Ángel de Combate hay manga marcado a fuego, hay Ido en modo cazador guerrero con su martillo motorizado, hay Makaku / Grewishka, no adicto pero si despiezado con un brazo clavado en el ojo, o con los dedos extensibles que tan buen fruto le dieron en la obra comiquera. Falta más brutalidad, pero bajo ese prisma no está claro que Cameron hubiera logrado llevar adelante la adaptación.

Lo peor sin embargo es que aparentemente no es producto para todos, y su elevado coste puede ser su mayor enemigo en estos momentos. El primer fin de semana en USA no augura un futuro demasiado bueno y, sin embargo, altamente merecido. Hay ganas de ver más Alita y de ver el siguiente paso en la apuesta visual de Robert Rodriguez y James Cameron.

Bonito póster de Alita: Ángel de Combate
Bonito póster de Alita: Ángel de Combate

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Enero del 2017, propios y extraños salíamos del cine con el culo torcido tras ver Múltiple (Split), absolutamente inesperada secuela de esa obra maestra de M. Night Shyamalan nacida en el año 2000 bajo el título de El protegido (Unbreakable). Enero del 2019 nace Glass, el director de origen indio vuelve con idea de cerrar esta ahora trilogía nacida hace ya casi veinte años reuniendo de nuevo en pantalla a los originals David Dunn (Bruce Willis) y Elijah Price (Samuel L. Jackson), así como a la nueva criatura, las mil mentes de Kevin Wendell Crumb (James McAvoy).

De forma poco agradable y sumida en el mayor de los pesimismos, Shyamalan nos presenta Glass, la amarga despedida de estos tres iconos del universo de los superhéroes nunca reconocidos. Dunn, Don Cristal y la Horda ya no necesitan guerrear entre ellos, aunque el film contenga dos secuencias (inicio y fin) dignas de las mejores aventuras dentro del cine comiquero. Esta vez toca bailar con las más fea, la doctora Ellie Staple (enervante Sarah Paulson), mujer al mando de una institución mental en la que lo que se busca es justificar lo anómalo y, si se puede, erradicarlo. Ahí es donde acaban nuestros tres protagonistas, tres seres diferentes, con un destino marcado por la anormalidad y el temor al qué dirán. Dunn, Price y Crumb cuenta eso si con sus particulares apoyos, aquellos que entienden a estos seres anómalos y que, a diferencia de la perversa Staple, comprenden que de alguna forma existe en ellos valores positivos y opciones de redención. Shayamalan explora esta vertiente inesperada y atípica como si fuera lo necesario y obvio, y es que en el fondo tiene más razón que un santo. Lo extraño es temido, el que destaca es apartado, es aquí donde el director indio ya no sólo propone el desenlace de ese plan que siempre ha prometido tener en mente, se lo llevamos pidiendo desde hace más de una década, si no que da reflejo a su propia historia como cineasta. De ser un director aplaudido por todos, a ser odiado por sus propuestas cinematográficas, hasta tener que valerse por si mismo para poder sacar adelante sus últimas aventuras.

Pero ojo, que no todo es grandeza en Glass. De alguna forma parece que Shyamalan se ve igualmente atrapado en su historia, una en la que además los mimbres no acaban por encajar del todo y donde, todo sea dicho, las cosas se acaban precipitando ya no por casualidad, si no por pura necesidad de encontrar la salida a este enrevesado universo comiquero de propia factura (bravo). Se busca la emoción vital de El protegido, pero no se llega a cuajar, se busca la desesperada ansia de sobrevivir de Múltiple, pero nunca está presente. Se queda a medio camino, pero no queda claro si es porque así lo quiere el director o si porque no era su momento. Glass encandila, pero a la vez permanece como what if del que esperaba lo inesperado.

Nuevo cartel de Glass
Nuevo cartel de Glass

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